Querela

Carlos Dala Stella para antigas crianças e futuros adultos

admin-querela — Wed, 27 May 2026 19:18:22 +0000

Por Adriana Sydor

No panorama bibliográfico de Carlos Dala Stella, que registra títulos prévios pela mesma editora (Maralto), como Retratos, desenhos de admiração, Nas mãos de Benedita e A arte muda da fuga, O anão de asas vermelhas assume uma função de mudança de percurso: apresentado como a primeira fábula do autor, o livro desloca para a narrativa fantástica elementos já presentes em trabalhos anteriores, mais ligados à poesia e às artes plásticas.

Foi esta novidade que Dala Stella lançou no dia 23 de maio.

Lançamento

O lançamento de O anão de asas vermelhas aconteceu na Arte e Letra e reuniu um público numeroso, entre escritores, artistas e leitores interessados em conhecer a nova vertente do autor. O ator Luís Melo leu trechos da obra em ordem cronológica, conduzindo o público pelos acontecimentos centrais da narrativa e pelos caminhos escolhidos por Dala Stella para construí-la. A leitura foi entremeada pelos comentários do próprio autor, que contextualizava passagens, compartilhava observações sobre a composição do livro e revelava parte do processo criativo por trás da fábula, transformando o lançamento em uma experiência de escuta e aproximação com a obra.

As imagens são de Miguel Martinez-Flecha (@mmflecha).

Perfil

Carlos Dala Stella

Nasceu em 1961, em Curitiba, onde mora e trabalha. É poeta, artista plástico e contista. Formado em Letras pela Universidade Federal do Paraná (UFPR), dedica-se ao desenho desde os anos 1980, quando expôs na Itália. Publicou os livros Retratos: desenhos de admiração (2021), Nas mãos de Benedita (2019) e A arte muda da fuga (2018), entre outros. Foi finalista do Prêmio Jabuti, na categoria Ilustração, com o livro Quer jogar? (2011).

Foto: Divulgação

Resenha

O quintal fantástico de Carlos Dala Stella

O anão de asas vermelhas articula uma aventura infantil com uma espécie de investigação poética da imaginação. Organizado em capítulos curtos, o livro acompanha Rael e sua prima Lila e o fascínio por uma criatura extraordinária: um pequeno ser alado, vermelho, que surge entre o pátio da casa, os bambuzais e os fragmentos de mata ao redor.

A estrutura fragmentária da fábula é um dos seus traços mais marcantes. Os capítulos funcionam como pequenos blocos imagéticos, com títulos (“O Tempo”, “A Armadilha”, “O Fracasso”, “Pixel Art”, “O Bote da Aranha”, “A Fornalha da Imaginação” etc.) que indicam a concentração temática de cada segmento.

O núcleo narrativo gira em torno da tentativa de compreender e capturar o “anão de asas vermelhas”, mas a criatura acaba funcionando também como centro irradiador de outros temas: o crescimento, o medo, a vergonha, a imaginação, a passagem do tempo, a dúvida entre fantasia e realidade, a relação entre crianças e adultos, além da convivência íntima com o mundo natural.

O tempo aparece como um dos assuntos recorrentes do livro: “a cama, a luz apagada, Rael pensa no tempo. Por que que a gente não vê se ele está em todo lugar? / O pai tinha falado no relógio da cozinha. No relógio derretido num galho de árvore. No tempo dentro da gente. Que às vezes passa depressa e às vezes bem devagar. No tempo que está colado na pedra, na nuvem, no corpo da Jurema, a jabota. Que não se separa nunca de nada. / Pensar é uma mordida, mas não dói. Rael gostava de morder o escuro do quarto. / O tempo é como a roda da bicicleta. Gira sempre na mesma direção. Mas é diferente. Porque não tem raios, borracha. Não tem nada. A gente só vê o rastro do pneu no chão. Quando o tempo freia, a pessoa morre”. As reflexões infantis, formuladas numa linguagem ao mesmo tempo concreta e metafísica, revelam um dos procedimentos constantes da obra: transformar abstrações em imagens materiais.

Há também uma atenção contínua aos processos da imaginação. Rael desenha o anão em pixel art, pensa em armadilhas, imagina monstros subterrâneos despertando sob a cidade, aproxima o ser alado de lendas como o Curupira. A narrativa não acompanha apenas os acontecimentos externos, ela se detém no modo como as crianças reinventam o mundo através de comparações e fabulações.

Nesse aspecto, o livro constrói uma percepção muito particular da infância. Não se trata de uma infância idealizada ou caricatural, mas de uma consciência em formação, capaz de misturar observação minuciosa e pensamento mágico para tentar chegar a uma especulação filosófica. Os adultos aparecem próximos, porém nunca inteiramente dentro do mesmo universo perceptivo das crianças. O pai de Rael, por exemplo, oscila entre incredulidade, espanto e cuidado; Gala, irmã do protagonista, ocupa uma posição intermediária entre adesão e ironia.

A relação com os animais e com a paisagem é outro elemento bastante perceptível. O texto está povoado de jacus, jabotas, bugios, saracuras, salamandras, araucárias, helicônias, xaxins, bromélias e bambuzais. A natureza participa ativamente da linguagem do livro. As comparações surgem quase sempre a partir de um repertório orgânico: “Depois de semanas de sol, os exércitos das nuvens corriam de encontro uns aos outros, em flutuantes manadas de elefantes de chumbo”. Há um esforço contínuo de traduzir movimentos, sejam físicos ou emocionais, em figuras naturais.

A descrição do anão de asas vermelhas ocupa lugar central na obra e revela uma imaginação visual extremamente elaborada. O anão é apresentado aos poucos e continuamente: olhos vermelhos afastados, pés voltados para trás, quatro asas, língua vermelha, unhas aduncas, pelos eriçados. A narrativa insiste nos detalhes anatômicos e nas metamorfoses de movimento. Ao mesmo tempo monstruoso e frágil, o ser nunca se reduz a uma explicação fechada; pode ser mutação, lenda, animal desconhecido ou projeção imaginária.

Um dos eixos fortes do livro está nas sequências de armadilhas para capturar a criatura. Primeiro o cesto improvisado; depois a estrutura feita de bambus e rede de pesca, comparada repetidamente a uma aranha. A narrativa acompanha os ensaios fracassados, as correções técnicas sugeridas por Gala, o suspense da espera, até chegar à captura efetiva da criatura. Nesses capítulos, o texto avança em um acúmulo de tensão crescente.

Particularmente notável é a mudança de tonalidade na parte final do livro. Um acontecimento decisivo altera a atmosfera da narrativa e desloca a aventura infantil para zonas mais tensas e ambíguas. O que antes era movido sobretudo por fascínio passa a envolver medo, culpa e perplexidade. Surge então outra dimensão importante da obra: a reflexão sobre o impulso humano de capturar, dominar ou possuir aquilo que é desconhecido.

Há um forte investimento na plasticidade verbal na fábula, que trabalha intensamente com imagens e metáforas. Muitas frases parecem concebidas para produzir impacto visual ou tátil imediato: “os olhos arregalados como baldes telescópicos”; “o silêncio magnético costurava os dois lados da cerca”; “o sol no ventre”; “o frio transparente de julho no ar”. Outro traço relevante é a convivência entre referências contemporâneas (celular, pixel art, aplicativos de mensagem) e elementos arcaicos ou míticos. O livro nunca abandona completamente a realidade cotidiana, mas também nunca dissolve o mistério na explicação racional.

Como experiência de leitura, O anão de asas vermelhas oferece uma narrativa de resolução junto a um mergulho em estados de imaginação e encantamento. O livro parece interessado sobretudo em preservar a ambiguidade do fantástico e a intensidade perceptiva da infância.

Entrevista

Em O anão de asas vermelhas, a infância aparece como um território de imaginação, mas também de inquietação e perda. Em que momento você percebeu que essa história precisaria ser narrada a partir do olhar das crianças e não dos adultos que cercam o acontecimento?

Antes mesmo de começar a escrever isso já estava decidido, inconscientemente. Sequer precisei tomar essa decisão. A sustentação da verossimilhança, sobre a existência de um ser ancestral alado, todo vermelho, teria que ser completamente diferente se o narrador fosse um adulto. O narrador na verdade é um adulto, mas completamente solidário ao universo das crianças. Há até um capítulo em que Lila começa a contar um sonho e quem assume a fala dela é o narrador, assim sem transição (XLV O Sonho). Talvez seja o momento mais explícito dessa cumplicidade. O ponto de vista das crianças é muito mais permeável à intangibilidade da realidade, os sentidos fluem naturalmente entre o real e o imaginário. Acredito que essa escolha garante a verossimilhança do romance, acentuada pelo tom hiper-realista da narrativa. Algumas escolhas, quando vemos elas já foram feitas.

Você menciona a influência de Anne Carson e do mito de Gerião na origem do livro, fala também de Ícaro. Seu anão vermelho, no entanto, nasce num ambiente muito específico: Santa Felicidade, com seus bambuzais, araucárias, insetos e quintais. Como se deu o encontro entre essa matriz e a paisagem afetiva e concreta de Curitiba?

O livro se deve todo ele à essa ambientação em Santa Felicidade, com aquele pequeno enclave de mata atlântica típica do sul do Brasil (chamado de Floresta Ombrófila Mista, composto principalmente de araucárias e podocarpus lambertii). Quando citei Anne Carson, foi por um motivo específico: lendo a introdução do livro Autobiografia do Vermelho, tive a chave de como estruturar os capítulos. Foi um start técnico, mais a sugestão de como deveria ser o Ícaro em que eu já vinha pensando, todo vermelho. Lembro que eu estava no deck de casa, ao sol, começando a folhear o livro da canadense, quando tive o estalo. Imediatamente comecei a escrever ali mesmo os dois primeiros capítulos. Depois de uma semana, voltei a eles e não parei mais. Foram três meses e três semanas de escrita ininterrupta. Escrevia um novo capítulo e reescrevia os anteriores. É como se aquele livro me tivesse feito vir à consciência, num ímpeto simbólico abrupto, um tema ao qual eu me dediquei ao longo de boa parte de minha vida de pintor, os Ícaros. Foi um vislumbre do núcleo da narrativa que eu queria escrever. Movido por essa visão, e pela ‘solução’ técnica, só precisei me entregar à escrita.

A linguagem do romance parece trabalhar constantemente entre o visível e o indizível: há imagens muito plásticas, mas também muitas lacunas, suspensões e sugestões. Como poeta e artista plástico, você sente que escreveu este livro mais “vendo” as cenas ou mais “ouvindo” a música das frases?

Estou tomando consciência dessa duplicidade agora, com essa pergunta. E você provavelmente tem razão. A visualidade plástica do livro me é dada gratuitamente ao olhar. Olhar, com toda a construção particularíssima que cada um aporta a ele, é em mim um prazer sensorial e cognitivo. Sinto o que vejo e, de algum modo, compreendo, no sentido de fazer parte indissociável do mundo que me rodeia. Ainda que essa compreensão se dê em camadas subterrâneas de sentido. Então, ao escrever sou o primeiro que vê as cenas, e vejo com uma avidez minuciosa. Mas não deixo de ser um poeta quando escrevo prosa, nem quando pinto ou desenho. A consciência da linguagem não me abandona nunca. Manuseio as palavras como um pedaço de madeira, uma pedra, um naco de barro, inquieto com a possibilidade de interferir em sua forma ou constituição. No caso desse livro, o perigo é que essa consciência me levasse a um manuseio excessivamente poético. Tentando achar essa medida, reescrevi a primeira meia dúzia de capítulos várias vezes, trazendo a desenvoltura narrativa que fui ganhando no adiantado da escrita para calibrar o tom poético que às vezes ocupava espaço demais lá no início.

O livro começa como uma aventura marcada pela curiosidade e pelo fascínio diante do desconhecido, mas aos poucos desloca essa relação para zonas mais ambíguas. Em algum momento da escrita você percebeu que a criatura deixaria de ser apenas um elemento fantástico para se tornar também uma espécie de espelho das personagens (e talvez do próprio desejo humano de possuir aquilo que não compreende)?

Primeiro eu precisava trazer aquela criatura ao espaço cênico. E fazer isso com muito cuidado, para que fosse crível. Eu mesmo só fui descobrindo quem era ela à medida que escrevia. Por isso a chamei de anão de asas vermelhas, embora ela não seja um anão, mas é a primeira impressão do menino. Depois, provavelmente fui acessando camadas mais íntimas e sedimentadas de minha identidade, onde o obscuro e o desconhecido habitam em mim. Escrevi dezenas de poemas, pintei e desenhei muito tentando acessar essas camadas. O que eu sabia, ou pressentia, é que tinha que construir um longo caminho de aproximação entre o pequeno Ícaro e Rael e Lila. E que a cada passo nessa direção eles se pareceriam mais. Nesse ponto, devo ter me apropriado de outra autora, Nastassja Martin, cujos dois livros traduzidos por aqui li avidamente. Realmente creio que há um elo, não completamente perdido, entre o homem e o animal, uma anima comum… Não que eu deseje me apropriar do desconhecido, mas procuro aumentar a consciência de que ele existe e me é indispensável. Essa questão, no entanto, posta assim, é muito mais formal do que o modo como ela se dá no decorrer do livro. Eu não sabia se ele seria um conto, uma novela de oitenta páginas. Tudo se dá no decorrer do percurso, jogando com pequenos segmentos cênicos que exigem outros e outros. Até que se vislumbra o fim, de certa forma inevitável.

Embora seja apresentada como sua primeira fábula, a obra mantém diálogos fortes com sua trajetória anterior nas artes visuais e na poesia. O que a narrativa longa lhe permitiu explorar que os outros gêneros ainda não haviam comportado?

Com esse livro, pude explorar a tensão dramática, coisa muito distinta do que se dá na poesia, por mais que um poema esteja carregado de páthos. Mas entre meus dezessete e dezenove anos, escrevi um romance, O mendigo da Rua XV, uma novela, A hora dos mortos, e um livro de contos, O juízo final dos cães. Todos marcados por uma atmosfera onírica ou francamente fantástica. O que fiz agora, sem me dar conta, foi retomar esse veio abandonado há tanto tempo, apesar de ter já publicado um livro de crônicas e um de contos. A tensão dramática provavelmente é o fio condutor do livro, jogar com ela foi realmente um desafio e um prazer. Também pude explorar outro recurso que só uso episodicamente em minha pintura, meus desenhos e colagens: a citação, sempre de modo implícito, de trabalhos de outros autores, pintores, músicos, escultores, fotógrafos… Em O anão de asas vermelhas são dezenas, organicamente integradas ao fluxo narrativo, de Ovídio a Louise Bourgeois. Se o leitor não acessar essas referências, do ponto de vista narrativo ele não perde nada.

Como você situa este livro no conjunto dos seus trabalhos literários? Dala Stella escritor completa o artista plástico, pintor e desenhista, ou são experiências divergentes? Como e quando você escreve?

Tudo em mim provém de um nó. E embora me abasteça dele, não procuro esclarecê-lo. Vem dele um poema, e a poesia é o núcleo de meu trabalho, como vem dele uma tela, um desenho, um conto, um painel de cimento ou uma fábula. Não sei direito porque uma inquietação dá num poema e outra numa colagem. Quando manuseio o que pressinto, algo em mim faz a escolha. Eu obedeço. Às vezes funciona, outras não, então retomo o fio da meada até conseguir um resultado melhor. Esse ir e vir dá muito trabalho, e às vezes é angustiante, mas essa é minha escolha diária, a que chamam vocação. O que acontece é que pintar é muito diferente de escrever. Ao pintar estou sempre lidando com uma massa de sentido abstrato que foge do meu alcance, que me custa trazer à luz. Desenhar é um sonho leve, uma fluidez de sentidos, exige um olhar afiado e uma mão precisa, você respira com o máximo de consciência e o mínimo de ar. Escrever é lidar com um bem comum, a linguagem, e sová-la na esperança de que o pão que daí resulta tenha ao menos alguns genes de nosso dna. E seja bom de repartir e comer.

Ficha bibliográfica

O anão de asas vermelhas, de Carlos Dala Stella, com 164 páginas. Curitiba: Maralto Edições, 2026. Livro estruturado em prólogo, 59 capítulos curtos e epílogo. Capa e projeto gráfico: Cristina Gu; ilustração de capa: Denny Chang; preparação: Julia Garcia Bianchini. Coordenação editorial de Cristiane Mateus.

Trechos

Prólogo

(Pág. 13)

Naquele ano até as árvores de Santa Felicidade pareciam enormes anjos decaídos. Com seus galhos esbranquiçados pelas cinzas e pela secura. Mesmo as jurássicas araucárias haviam encrespado os galhos para o céu, prontas para acolher a mais mínima umidade quando ela viesse, fosse em forma de névoa ou de garoa. Depois de meses sem chuva, o céu que se podia ver por entre as poucas folhas que insistiam em permanecer penduradas aos galhos era um céu insólito. Acinzentado e seco. Até os pássaros haviam sumido. Assim como as borboletas e as libélulas.

Depois de meses sem chuva, o céu que se podia ver por entre as poucas folhas que insistiam em permanecer penduradas aos galhos era um céu insólito. Acinzentado e seco. Até os pássaros haviam sumido. Assim como as borboletas e as libélulas. Apenas os mosquitos proliferavam como por geração espontânea, com suas picadas de pólvora ardente.

O primeiro voo

(Pág. 18)

Assim que a porta bateu, no primeiro piso da casa, num estrondo, a criatura fez um movimento reflexo com a cabeça. E entreabriu as asas. Vermelhas. O menino, pressentindo o salto, arrepiou-se todo. Espinhos de gelo espetavam sua espinha.

Com as asas abertas, a criatura saltou, desenhando uma parábola rasante sobre a cabeça do menino. Súbito, o pânico engoliu a curiosidade. Mas não toda. Só agora ele percebia que o anão tinha quatro pés. Dois para a frente, dois para trás.

Com a amplidão translúcida das asas espalmadas, contra o sol, viam-se dois grafismos pretos pichando o ar. Indecifráveis. Prestes a estrangular o menino. Que se encolheu, abraçado à própria sombra.

Por um momento o manto vermelho das asas, com seu hieróglifo, cobriu todo o corpo do menino. Encerrado na cápsula de vidro do espanto. E se foi, enfunando o ar, para cima, para além dos telhados.

Os sinos da igreja de Santa começaram a bater. Era meio-dia.

A lupa

(Pág. 68)

A luz do sol atravessava a lupa. E se abria num cone de cristal aquecido sobre o acrílico vermelho. Do toco de asa. […] Em cada escama um labirinto. Por onde perambulava a curiosidade dos primos. Correndo de mãos dadas.

Na varanda ensolarada, os cotovelos apoiados no corrimão, viravam e reviravam o pedaço de asa. A cada movimento a luz refletia de um jeito. Aumentando ou diminuindo o brilho. Do vermelho oleoso.

Às vezes uma nesga do vermelho metálico refletia no rosto de um e de outro. Tatuando neles cambiantes grafismos do acaso. Mas tiveram que interromper o exame do pedaço da asa porque Gala chegava com a amiga. A pé, pela estradinha.

Rael e Lila enfiaram o pedaço de asa numa sacola de algodão e sumiram pelo terreno. Em disparada. Um par de ovelhas fujonas.

O sonho

(Pág. 83)

— E o sonho, o que aconteceu depois?

— Eu subi pela varanda e olhei pelas janelas. Bati nos vidros. Mas ninguém respondia. Quando eu voltei pro jardim o corpo já estava cheio de formigas.

Agora os primos se olhavam, curiosos um do outro. Lila continuou.

— Do nada vocês chegaram de camionete. Teu pai abriu um buraco entre o jardim e o bosque. Parecia que ele já sabia de tudo. Você̂ chorava baixinho. Depois ajudamos a empurrar o corpo pra cova. Teu pai pegou uma muda — de jasmim, ele disse — na caçamba da camionete e plantou em cima do corpo do anão de asas espedaçadas. Puxando a terra de volta pro buraco.

Do nada outra vez começou uma ventania que descabelava o bambuzal. Caíam muitos sapés dos pinheiros, muitas folhas. Mas não tinha relâmpago nem chuva. Parecia uma tempestade seca.

De repente o jasmineiro começou a florir. Mas os jasmins não eram brancos, eram encarnados. Os brotos cresciam e se abriam como rosas escandalosas de tão vermelhos. Assim em sinfonia.

O vento ficou tão forte que os jasmins de sangue foram se soltando dos galhos. Um atrás do outro. Subitamente transformados em borboletas de três, quatro pares de asas. O que fazia o voo ficar bem esquisito. Todo entrecortado de quedas e arranques.

— Foi muito rápido. Num instante uma revoada de borboletas vermelhas se espalhou pelo céu. Levadas pelo vento.

— E depois?

— Ah, Rael. Como se eu soubesse. Imagine!

E Lila desapareceu lá em cima, se cobrindo até as orelhas. Sob o Everest das cobertas.

Cumplicidade animal

(Pág. 111)

Não foi fácil suportar as gozações da Gala. Mas como ele ficou mudo, repetindo os movimentos que tinha aprendido com o anão vermelho, ela foi se irritando cada vez mais.

Quanto mais ele mimetizava o anão, mais ela perdia a paciência. A ponto de trocar a ironia por xingamento.

Rael avançava sobre ela com as asas abertas. E recuava. Em dado momento, foi o anão que começou a replicar os movimentos do menino. Como se fossem dois os anões de asas vermelhas. Momentaneamente irmanados pela mesma cumplicidade animal.

Até que Gala se foi, soltando faíscas de raiva escada acima.

Rael enfim retirou a máscara. O suor escorria pelas têmporas.

Antes que ele se desse conta do porquê, o anão vermelho se aproximou e observou atentamente seu rosto recém-descoberto. Só então Rael olhou para as próprias mãos: vermelhas!

Num rompante de curiosidade, puxou a blusa e a camiseta para cima, expondo o peito. E arregaçou a calça até os joelhos. Ele estava todo avermelhado. Rosto, peito, braços e pernas. Como tinha acontecido com Lila.

Uma alegria quente fez com que ele abrisse as asas mais do que antes. Alargando a envergadura até o limite.

Curvo para a frente, sobre os joelhos flexíveis, balançou como se experimentasse um prazer primal que nunca tinha experimentado.

Seus quatro pés assentavam solidamente sobre o cimento. Portadores de uma energia prestes a explodir. E impulsionar o corpo para o alto.

Só agora ele compreendeu a natureza dos movimentos espasmódicos das asas. Respondendo a um ímpeto anterior à consciência, que vinha de uma região desconhecida de si. De onde um vulcão secreto jorrava aquela lava quente até os músculos e as articulações. Eletrificados por não sei que vontade involuntária.

Eram duas as criaturas de asas vermelhas no pátio. Movidas pela mesma incontinência animal. O mesmo desejo de arremeter pelos ares. E ir-se. Submetendo a gravidade à poderosa mecânica dos músculos e das asas.

Textos e edição: Adriana Sydor

É jornalista, cientista cultural e escritora e publicou seis livros. Doutoranda em Ciências da Cultura, atua também como editora, curadora de projetos artísticos e professora de escrita.

Foto: Divulgação

SERVIÇO

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Adriano Smaniotto: A infância como profecia

admin-querela — Fri, 08 May 2026 17:57:40 +0000

Antes do poema, a presença do autor. No vídeo que acompanha esta publicação, Adriano Smaniotto declama o próprio texto, oferecendo ao leitor a cadência e a respiração de sua escrita.

Poeta e professor, com trajetória que atravessa a cena literária paranaense desde os anos 1990, Smaniotto reúne em sua obra diferentes modos de escuta, seja da linguagem, da experiência ou do tempo, como veremos a seguir.

O Poema Profético I, originalmente publicado em 2019 no livro Ladainhas (Lausac), abre-se como anúncio e nos interpela diretamente: que escuta estamos dispostos a oferecer às infâncias que nos cercam, e às que ainda persistem, latentes, em nós?

POEMA PROFÉTICO I

Adriano Smaniotto

Homens de bem nos avisam da Criança Futura.

Sim, ela já está entre nós.

Atazana seus pais seu senso de justiça,

confunde seus professores seu gratuito saber.

Convicta de sua messe ela desfila

como se sonhasse ou relembrasse.

Quando brinca, ela humaniza.

Quando advoga, ela compraz.

Não entende normas mesquinhas,

nem lhe apetecem coisas triviais.

Seu apego às modas do mundo

dura menos que um dia.

Melancólica e sozinha,

ela quer voltar às estrelas,

antes

reformará as leis

por meio dos vários reis

latentes em seu semblante.

Ai de vós,

que não escutais o coro da Criança Futura,

repartido nos risos e gritos

de tantas outras crianças.

Ela veio cumprir a profecia do Infinito:

renovar a Terra

e reinventar a Infância.

Adriano Smaniotto

É poeta e professor. Doutor em Letras, com ênfase em Estudos Literários, atua no ensino desde 2001, com passagem por diferentes níveis e instituições, e desde 2009 integra a Rede Estadual de Ensino do Paraná. É autor de vários livros de poesia publicados desde 1995, entre eles Sapatos Tortos, Versejar a Voz do Ser É Ser de Si Algoz e Vísceras à Vista. Participou de antologias, recitais e projetos de leitura, e ministra oficinas literárias.

Foto: Divulgação

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Desatinos, espelhos e desmemórias

admin-querela — Mon, 04 May 2026 23:56:25 +0000

Notas de leitura
Por Ademir Demarchi

Sálvio Nienkötter
Bucólico Desatino

Bucólico desatino. Curitiba: Kotter, 2020. Orelha: Marcelo Ariel; apresentação: Jussara Salazar; prefácio: Marcos Pamplona. Projeto Gráfico:
Isadora M. Castro Custódio. Capa: Jussara Salazar sobre quadro de João Batista da Costa; contracapa: Jussara Salazar sobre quadro “O louco”, de Maurício Takiguthi.

Com a informação surpreendente na biografia incluída na orelha de que Sálvio Nienkötter publicou uma edição da tradução da Ilíada de Homero anotada verso a verso (em 2008 pela Ateliê Editorial em co-edição com a Editora da Unicamp, esgotada), entramos nesse livro de contos Bucólico desatino. Encontraríamos nele a mesma obsessão? O autor de cara se furta numa “nota” dizendo que “os contos foram encontrados num caderno dentro de uma caixa de madeira”, cujo autor preferiu o anonimato…

Ou seja, não, logo a falsa impressão de reencontrar o obsessivo anotador de Homero se desvanece diante das ficções que enfocam primeiramente, numa sugestão de vida bucólica, personagens infantis numa lida de colonos no interior de Santa Catarina às voltas com seus costumes e religiosidade e, depois, na vida ficando adulta já com os desatinos, como o de um jovem que conhece uma moça numa funerária e ela o olha dizendo: “Meu nome é ciúme. Nunca diga que não o preveni.” Nos contos da parte Bucólica, sempre intitulados com nomes próprios dos personagens enfocados, a descoberta da sexualidade, as traquinagens e disputas da infância predominam. A segunda parte do livro, destinada à vida adulta dos personagens, é perpassada pela loucura, pelos desajustes e abalos emocionais, não à toa denominada Desatinos. Nela, o bucolismo já se derreteu, faz parte da memória que agora revira o círculo de afetividades ao qual caberia a frase atribuída à personagem do último conto: “Sente-se mal, ilhada com tantos significantes”.

Helena Kolody
Caixinha de música | Viagem no espelho e vinte e um poemas inéditos | Poemas do amor impossível

Caixinha de música. Curitiba: Secretaria de Estado da Cultura, 1996. Coordenação editorial: Regina Benitez; Ilustrações: Denise Roman; projeto gráfico: Teresa Cristina Montecelli. Tiragem: 3 mil exemplares.

Viagem no espelho e vinte e um poemas inéditos. Curitiba: Criar Edições, 2001.

Poemas do amor impossível. Curitiba: Criar Edições, 2002.

A singeleza do achado desse título de Helena Kolody, Caixinha de música, continua livro adentro em vários poemas, remarcando essa característica de sua poesia que se tornou sintética depois dos escritos iniciais e enveredou também pela expressão através de haicais e tankas, presentes em seções separadas nesse Caixinha de música. Sua poesia foi reunida na edição Viagem no espelho e vinte e um poemas inéditos pela Criar Edições em Curitiba em 2001 e o escritor Roberto Gomes, pela mesma editora, no ano seguinte, publicou a seleção Poemas do amor impossível.

Considero esses primeiros escritos de Poemas do amor impossível os melhores de Helena Kolody, pois neles ela foca essa que foi a questão fundamental da sua obra e momento de elaboração de sua melhor poesia, dada a tensão expressa entre desejo amoroso e sua irrealização, inspirada em fatos biográficos. Sua obra seguinte, que chega até esse Caixinha de música, perdeu a tensão e, sendo mais diluída, passou a ser mais contemplativa e, como sinalizado, singela, e em consonância com a sua incorporação como uma espécie de “poeta oficial” (Caixinha de música o confirma, tendo sido uma edição feita pelo Governo do Paraná com três mil exemplares), além de se tornar amplamente reconhecida e respeitada socialmente como uma professora exemplar, sendo Paulo Leminski seu melhor aluno…

Daí que talvez, em oposição àqueles Poemas do amor impossível possamos ler em Caixinha de música um poema que seria uma metáfora do que se tornou após aquela tensão inicial, agora esvaziada de potência: “PINGO DE CHUVA – O que penso, / o que digo, / o que sou… / Pingo de chuva no mar.” E que segue em outro poema: “O DOM DE SONHAR – A esperança engana. / Mente o sonho. / Eu sei. // Que mentiras lindas / eu mesma inventei / e contei pra mim…”

Ainda que raro, com surpresa podemos encontrar algum poema de expressiva crueza como em “APLAUSO – Corrida no parque. / O menino inválido / aplaude os atletas.”

Lá se vão mais de 20 anos indicando a necessidade de novas edições de sua obra.

Flávio Augusto de Carvalho
O cultivo das desmemórias

O cultivo das desmemórias. Cotia: Editora Urutau, 2024.

Paradoxos do existencialismo escremencial da matança paterna

É curioso que o livro desse poeta maringaense comece, já no seu título, com um paradoxo – O cultivo das desmemórias. “Cultivo” significa o plantio (com cuidados especiais), a dedicação em conhecer, ou, também, o empenho em manter e levar adiante por tempo prolongado, no caso, aplicados às sugeridas “desmemórias”. O paradoxo se estabelece quando se constata que “desmemória” significa ausência de memória, de recordação; deslembrança, desmemoriamento, – esquecimento. Concluiríamos, deduzindo, que o autor sugere, com sua escrita, “fazendeiro do ar” drummondiano, realizar um cultivo, uma manutenção ou atenção continuada do esquecimento, paradoxo que se espraia pelo texto expondo a contradição de que o que está fazendo, na verdade, é o cultivo da recordação e que, sendo essa contradição uma marca expressiva, é também das próprias vidas familiares descritas, daí que, ao remexer o passado, ao extrair dele lembranças, fatos, comparações e constatações e fazer relações com o momento histórico presente e passado do país e das origens em outro continente, nos sugere, também presente no subtexto, um outro sentido da palavra cultivo, que é o de “estrume”, “excremento” o qual, sendo prolífico, não possibilita o “esquecimento”, mas uma forma de fermentação que resulta na proliferação – circunscrita ao texto e à vida, tanto de sentidos quanto de filhos, multiplicados no espelho da representação e da reprodução – afinal, nesse caso, em dado ponto o “eu poético”/narrador que narra (confessa?) diz que, tendo se reproduzido em prole, deu de si mesmo o nome a uma filha (“não por opção minha/ mas com o meu consentimento tácito”, diz, teatralizando um ocultamento no espéculo) assinalando no texto sua fantasia, afinal também um paradoxo, porque, na pura realidade, nunca concretizada em continuidade, em imortalidade, cessada com a morte tanto a vida física quanto a fantasia…

Sendo essa continuidade cessante, o esforço do narrador poético é o de lidar com essa falha que, impossibilitada fisicamente, se realiza, porém, no texto. Por isso o assunto principal de toda essa narrativa poética é confrontar-se com o pai, com a lembrança dele, com sua história de vida, com o que ele disse, escreveu, imaginou, fez ou, afinal, deixou de fazer, num deixar-de-fazer como legado para esse que o assume afetivamente como espelho e o continue sendo, além de também pai, o escritor que o outro não foi e que ora se concretiza no texto: “Isso porque não é que eu possa ser reconhecido nas falas do meu velho pai; é que eu sou feito justamente da têmpera resultante das falas do meu velho pai”.

Essa fantasia de continuidade se ilustra também com recursos estéticos como a repetição expressional de frases e expressões sinalizando uma circularidade existencial, uma representação do “eterno retorno” do mesmo existencial, do homem que se torna pai no filho que, por sua vez, também se torna pai, que está implícita na relação exposta em fundo histórico do filho com o pai como um elemento potencial que move a escrita – e a vida.

A constante projeção do filho no pai (e vice-versa) se faz sobre e chega (como projeção) a um amálgama simbólico histórico de um “Brasil rural profundo”, marcado pelo escravagismo ou por aspectos históricos como a Guerra do Paraguai, chegando até o presente, amálgama que se derrete sobre os pés onde pisam as vidas de pai e filho e age sutilmente como um trauma sobre a existência marcada pelos fantasmas mudos mas móveis dançantes na noite sentimental (existencial) em que se vive.

A narrativa de Kafka quanto ao tema da lida com o pai é incontornável, tanto por ter se tornado um clássico por sua maestria quanto pela contundência com que o descreve em sua Carta ao Pai: nele, a narrativa é um mergulho introspectivo tanto para se vingar (matar o pai nos termos simbólicos freudianos) quanto para tentar reconciliar-se, ainda que a Carta nunca tenha sido enviada, uma vez que o antagonismo é a marca da relação deles.

Diferentemente da abordagem de Kafka, porém, em O cultivo das desmemórias sequer o narrador se dirige ao pai, mas sempre a terceiros (“mas vejam vocês”, diz reiteradamente como se se dirigisse a uma plateia diante de sua encenação). Diferentemente, também, o antagonismo não é de confronto, mas de descrição de uma vida como modelo para essa outra que narra e que, em consonância com o que resulta do paralelismo, poderia também dizer: “é que eu sou feito justamente da têmpera resultante das fal(h)as do meu velho pai”, pois “o q ue eu queria mesmo/ era ser poeta como meu velho pai/ quem sabe um herói das letras para ele”.

Eis que retornamos, aqui, ao sentido de cultivo antes apontado, de que as vidas são tecidas e entretecidas, amalgamadas, pelo excremento como esquecimento histórico oriundo de uma paternidade involuntariamente feminilizada na língua portuguesa, a Pátria, essa sim contra a qual se rebela o tempo todo o narrador que a vê nesse pai “brasil rural e profundo/ do abismo social” governado “pelas milícias digitais de extrema direita” que reduziriam a pó seu velho pai defensor do Estado democrático de direito e das ideias “de uma sociedade mais justa e igualitária”.

Ainda que nessas circunstâncias e repetindo o pai, contra o narrador machadiano que não teve filhos para não lhes transmitir o legado de nossa miséria, o eu poético/narrador de O cultivo das desmemórias esquece-se dessa lição fundacional e as conclui dizendo: “nunca vou saber ao certo/ se/ fui/sou /ou algum dia serei// pelo menos de forma idealizada/ também um velho pai/ para os meus filhos”.

Luiz Mauricio Azevedo Vagoneta

Vagoneta. São Paulo: Círculo de Poemas, 2026. A capa interna é ilustrada por imagem de Edith Derdy, fine art, 40 x 60 cm, de 2024. O livro integra a coleção Círculo de Poemas, da Editora Fósforo, que funciona como clube de assinaturas com a entrega mensal de dois livros aos assinantes e posterior venda avulsa pela editora, constituindo-se na mais importante iniciativa de divulgação de poesia do país atualmente ao combinar o resgate de poetas esquecidos, novos autores e autores traduzidos.

Luiz Mauricio Azevedo, que nasceu em Cascavel, PR, em 1980, é escritor, editor da Figura de Linguagem, em Porto Alegre, tradutor e crítico literário afro-brasileiro. Publicou livros como Estética e raça: Ensaios sobre literatura negra e A sociedade da cor: Brasil, país da igualdade racial? e ficções como Pequeno Espólio do Mal e O Quarto de Judas. Tem obras publicadas em inglês (Digital Mammals, 2015) e em francês (Le musée, 2014). Em 2022 ganhou o Prêmio Açorianos, de Porto Alegre, com seu livro Por uma literatura menos ordinária, de crônicas e, em 2023, com o livro de contos A costura invisível da bola, que reúne 26 contos com temáticas como exclusão social, racismo, religiosidade, machismo, embranquecimento.

Vagoneta, publicado em 2026 pela Círculo, reúne um conjunto de poemas que vão do sarcasmo contra o sistema capitalista (… “na mão dos fundos de investimento/ não dou seis meses/ pros verbos darem lucro// poema é gestão”), a flashs familiares sobre o pai, a mãe ou uma tia, ou sobre a vida urbana. O título do livro, tema de um dos poemas, se refere a uma peculiar vagoneta impulsionada por vela ou pelos pés quando não há vento, que é atração turística num molhe de 4 mil metros de comprimento que avança pelo oceano, na cidade de Rio Grande, no Rio Grande do Sul. No poema, a vagoneta já é outra coisa, uma imagem memorável em que se metamorfoseia o eu poético para expressar a sensação constante de estranheza que atravessa os poemas, como nesse: “tente pagar as coisas/ com o cartão que lhe deram// … alheio a tudo o que fizeram com você// … tente ser o que poderia ter sido”. A seguir, dois poemas do livro.

“ceis já viu rosto baleado, mano?

fica o furo ao redor
marca escura de compasso

é como se meu pai tivesse tirado
o isqueiro do chevette
e esfregado na minha cara
porque eu tinha rodado

ceis já viu rosto baleado, mano?

é como um furúnculo de fogo
que dentro esconde o dentro
e por fora não comove ninguém”

“não terás sido
nem a coisa coisada
minha melhor poesia
miolo de pão esmagado
ganhando céu asfalto afora

não terás sido
o pai redimido
o verso escrito pelo verme
o velho tigre que não sabe ler

não terás sido
quem comeu
com arroz e brita
o pedaço podre dos meus ouvidos”

Sobre Ademir Demarchi

Convidado da Querela para escrever mensalmente sobre as novidades das letras das Araucárias, Ademir Demarchi é poeta (ver os poemas reunidos em “Pirão de Sereia”), ficcionista, crítico literário, editou a revista Babel e importantes antologias da poesia paranaense.
Natural de Maringá (1960), Ademir vive com a família em Santos, SP.

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Cruzando raízes e marés, o novo livro de Roberto Nicolato

admin-querela — Thu, 09 Apr 2026 18:04:58 +0000

Por Adriana Sydor

O lançamento de Poemas de terra e mar, de Roberto Nicolato, reuniu leitores, amigos e interlocutores na Livraria Telaranha, no dia 1º de abril, em um encontro marcado mais pelo tom de conversa do que pela formalidade. Com mediação de Tatjane Garcia, a noite se desenrolou como um diálogo aberto, em que memórias e processos de escrita se entrelaçaram de maneira espontânea.

Mineiro da Zona da Mata, com uma vivência de quase 40 anos em Curitiba, Nicolato hoje divide seu tempo entre os dois lugares, mas com um peso levemente mais inclinado a Minas, um trânsito que também atravessa sua obra. Não por acaso, Poemas de terra e mar é o primeiro livro seu publicado por uma editora mineira, já em seu sétimo título, marcando um retorno simbólico às origens sem romper com os caminhos construídos ao longo dos anos.

O lançamento também celebrou um marco: com este livro, o autor completa quase cinquenta anos de escrita poética. A publicação reúne textos de diferentes momentos de sua trajetória, compondo um conjunto que atravessa fases, temas e formas, e que evidencia a permanência e a transformação de uma mesma voz ao longo do tempo.

As imagens do lançamento são de Miguel Martinez-Flecha (@mmflecha).

Lançamento

Perfil

Foto: Miguel Flecha

Roberto Nicolato

Mineiro da Zona da Mata, curitibano por opção, Roberto Nicolato publicou três romances, duas coleções de poemas e, recentemente, o livro de contos Nos domínios de Leviatã & Outras histórias. Autor premiado no concurso Outras Palavras, do Governo do Paraná, com a obra A noite sem tempo (2023), é mestre e doutor em estudos literários pela UFPR.

Resenha

Por Adriana Sydor

Cruzando marés e raízes, os percursos poéticos de Roberto Nicolato

Poemas de terra e mar, de Roberto Nicolato, reúne uma série de textos que se organizam nos termos do binômio referido no título. Esses elementos atravessam o livro inteiro — não só como paisagem, mas como forma de pensar e sentir o mundo. A partir deles, os poemas exploram temas como memória, corpo, natureza, desejo e o próprio passar do tempo, compondo um conjunto que oscila entre o íntimo e o mais amplo da experiência humana.

Nos primeiros poemas, como O que o mar traz e O mar do Pontal, o mar aparece como força agregadora de memórias e resíduos, materiais e simbólicos. Em O que o mar traz, o oceano devolve “troncos, restos civilizados” que se tornam “produtos sem história” (p. 13), sugerindo uma relação entre passado, esquecimento e transformação . Já O mar do Pontal desenvolve-se em múltiplos movimentos, ampliando o espaço marítimo para além da paisagem: o mar é descrito como entidade viva, histórica e mítica, habitada por navegantes, criaturas e narrativas que atravessam tempos distintos.

A presença da natureza é constante ao longo do livro, não apenas como cenário, mas como linguagem. Elementos como pássaros, peixes, plantas e fenômenos atmosféricos aparecem em composições como A casa dos pássaros e Clandestina, onde o mundo natural se entrelaça ao humano, criando uma atmosfera de metamorfose e continuidade entre corpos e ambientes. Nesses textos, a enumeração de espécies, cores e movimentos constrói um efeito de abundância sensorial e imagética.

A casa dos pássaros abrigará febre terçã,
A inverdade dos fatos, na tevê incessante,
A brisa mansa que chega do oceano
[…]
Sanhaços em sanha, corruíras em transe,
Bem-ti-vim, de papos amarelos,
[…]
Pombos da tempestade, gambás de olhos acesos,
Roseiras exibicionistas, lírios pálidos,
Bromélias alucinadas, orgásticas.

(A casa dos pássaros, pág. 22)

Outro eixo recorrente é o corpo, frequentemente associado ao desejo, à memória e à transformação. Em poemas como Um corpo II e O fauno, o corpo surge como espaço de experiência intensa, atravessado por sensações físicas e pulsões, em uma linguagem que mistura erotismo e elementos da natureza. Essa dimensão também se conecta ao tema do amor, presente em textos como Amar sem fim e Os amantes, onde o sentimento é descrito tanto em sua dimensão íntima quanto em sua inscrição em ciclos naturais e cósmicos.

O livro também incorpora referências culturais, históricas e mitológicas, como em Davi e Paraty, aproximando diferentes tempos e tradições. Essas referências não aparecem como reconstituição narrativa, mas como fragmentos que dialogam com o presente do eu poético.

O homem que hoje me revela,
Superfícies, arpejos, desejos,
Doses únicas de ilusões…
[…]
O homem que forjou o mar
O homem que forjou a terra
Davi na eterna luta com Golias,
A história ali em mãos outras.
[…]
E agora irrompe, em pedra certeira.
Nada pode conter o que se acaba.

Há ainda um conjunto de textos que se aproxima de uma reflexão mais direta sobre o contemporâneo. Em Cartas ao vento, por exemplo, o eu lírico evoca a escrita epistolar tradicional ao mesmo tempo em que a tensiona com o universo digital, mencionando “gigabytes de paixão” e “telas visíveis” (p. 34), sugerindo mudanças nas formas de comunicação e memória, “Minhas palavras vãs dissolvem-se / no curto espaço de uma tela aberta / na tua, computadorizada memória”. Já em A verdade nos libertará? e Diagnóstico, surgem elementos de crítica social e existencial, com referências à mídia, à violência e às tensões do mundo atual.

Tragédias se repetem na tevê. A última maravilha do século ainda está por vir.
Que nos levem para o racionalismo duvidoso, ao quedar dos sentidos…
Serei o nobre doutor, expert na arte da informática, o caluniador dos jornais,
o livre arbítrio da multifacetada e imaculada palavra impressa, imprevista.

(A verdade nos libertará?, pág. 41)

Formalmente, os poemas apresentam predominância do verso livre, com quebras que favorecem o ritmo e a construção imagética. A linguagem oscila entre o concreto e o abstrato, com uso frequente de metáforas, enumerações e associações inesperadas. Em alguns momentos, há aproximação com a prosa poética, sobretudo nos textos mais longos e discursivos.

Ao longo do livro, a articulação entre terra e mar não se limita ao plano temático, mas organiza uma espécie de geografia poética, na qual paisagem, corpo e memória se interpenetram. O resultado é um conjunto que se constrói pela justaposição de imagens, vozes e referências, oferecendo ao leitor um percurso que atravessa diferentes estados.

Entrevista

Em Poemas de terra e mar, há uma presença muito forte de paisagens ligadas tanto ao litoral quanto a uma memória mais interiorana. De que maneira sua trajetória, da Zona da Mata mineira a Curitiba, atravessa a construção dessas imagens e desse imaginário poético?

A memória recente ou mais antiga, no fundo, é matéria-prima essencial da minha poesia e também dessa produção poética que navega por um tempo imaginário, qual seja, as paisagens oceânicas (neste caso, o mar do Paraná), e o tempo mais longínquo, retratado numa profusão de imagens de uma Minas Gerais histórica mítica, que é a minha terra natal. Eu nasci numa pequena cidade de colonização italiana, na Zona da Mata mineira, nos idos anos 60, numa família de agricultores, de intensa religiosidade e parcos recursos financeiros, mas com riquíssimas experiências e modos de vida e que sempre trago comigo. O tempo que nos atravessa, e como reagimos a ele, traduz-se na matéria-prima necessária ao fazer literário e comigo isso acontece naturalmente. Acho que, assim, consigo dar um caráter de verdade aos meus escritos. Matérias-primas do sentimento e da minha razão. Do mesmo modo como a contemplação mística que acompanha esse poeta hedonista, anárquico e, porque não romântico, para quem a um bom entendedor “um símbolo basta”. Em “Poemas de terra & mar”, eu coloco em evidência as múltiplas influências de um ofício iniciado ainda cedo: o jogo de moldar palavras, frases, contingências, ou seja, o ofício da poesia. Assim, dialogo presente com passado, em cadência musical, nas imagens de um universo pleno, mutável e desagregador. O mar e a montanha traduzem-se na espinha dorsal do meu fazer poético em que estão em evidência o amor, o homem e a natureza. Para isso contribuiu a minha quase permanência, por dez anos, no litoral paranaense, mais especificamente no Pontal do Paraná, de onde eu avistava, em minhas caminhadas a exuberante Ilha do Mel. Ali, pude conectar tempos e espaços diferentes, alheio às exigências da vida urbana e dos compromissos. Busquei criar uma profusão de ritmos e cores. Um exagero do belo. Por fim, no livro “Poemas de Terra e Mar”, o poeta ressurge como um artífice, capaz de moldar um palavrório do que restou após a turbulência, de um voo raso e bastante profundo, no enfrentamento da tempestade. Restaram não apenas destroços de um tempo pandêmico, mas também um caudal de versos compostos, desenhados ao som das ondas, nas madrugadas. A visão do mar aberto, se estendendo na imensidão ficará na memória e nas páginas desse livro, de um corpo seguindo marcas deixadas na areia da praia, debaixo de um céu azul ou ameaçador de uma natureza intocável.

O livro mobiliza referências culturais, históricas e mitológicas que aparecem de forma fragmentada, quase como vestígios dentro dos poemas. Como se dá esse processo de incorporação dessas referências na sua escrita?

Eu gosto de trabalhar com essas referências tanto na minha produção poética quanto ficcional. São citações, intertextualidades, paráfrases e, com isso, acredito que posso expandir as experiências sensoriais e de conhecimento do leitor, além de oferecer um caráter mais universal aos meus escritos. Contribuem para isso as leituras de obras poéticas ao longo da minha vida, assim como a incorporação do meu aprendizado teórico. Quero dizer, no entanto, que esse processo acontece naturalmente, sem o “forçar a barra”, porque antes de tudo, a minha poesia é feita de insigths, epifanias. Emoção e razão. Como diz a poeta mineira Adélia Prado a poesia está além de mim, ela me ultrapassa. Realmente, esse processo se dá de modo fragmentado, como uma chave, como algo a ser descoberto por uma leitura mais atenta e isso não quer dizer que escrevo apenas para os “entendidos”, mas que gosto de causar surpresas, que o poema seja algo a ser decifrado, descoberto, por diferentes modos de leitura. Neles estão, por exemplo, citações da mitologia grega, cadências e alusões de outras obras, fragmentos da nossa história e cultura, realçados em novos contextos… Como a própria vida, um exagero de significâncias. O principal, que é a busca da essência humana, está ali para qualquer entendimento. Diria que são incorporações fruto de um fazer poético onde os diálogos na arte, nesses novos tempos, já é algo compreensível, aceito e estimulado. Mas com uma dicção muito própria que procuro alcançar. No fundo, a busca é sempre do que é mais belo em todas as coisas e na expressão humana, do que nos alegra ou causa sofrimentos.

Ao longo do livro, a linguagem parece oscilar entre um registro mais sensorial e outro mais reflexivo. Como você trabalha essa tensão entre imagem e pensamento no seu processo de escrita?

Esse processo está presente nos meus três livros de poesias: Pequeno tratado do amor e da natureza, A noite sem tempo e Poemas de terra & mar. Nessa trilogia, em que alternam produções recentes e guardados ao longo de mais de quarenta anos, há sim, a preocupação em traduzir uma experiência sinestésica do poeta com a natureza, no sentido da contemplação, numa espécie de desautomatização dos sentidos. Ou seja, voltado para o sentido oculto das coisas, para um olhar novo, inaugural e menos óbvio do que o universo e a vida cotidiana nos oferece. Os livros, que integram essa trilogia poética, podem ser vistos em uma estrutura linear crescente, em versos a priori curtos, depois mais longos, balizados pela diversificação temática, buscando conceituar ou ampliar o que é vivido, experimentado, até torná-lo matéria de poesia, com o que há de mais singelo, crítico ou anárquico. O meu primeiro livro Pequeno tratado do amor e da natureza já trazia essas preocupações, apontando para essas clarividências, em poemas não muito longos, mas cuja densidade é capaz de criar a mais pura revelação da irmandade natural entre homem e natureza, esse templo de amor e contemplação. Da natureza, do homem. Como num tratado. Da natureza que molda o homem, aos seus caprichos, mas que também o liberta no seu infinito olhar. Da natureza que se faz protagonista, oculta, clandestina. A segunda coleção de poemas A noite sem tempo traz uma peculiaridade e, mais do que isso, a marca de um tempo assombroso, pois boa parte dos poemas foram escritos durante a período da pandemia. Há nisso tudo, não apenas essa relação intrínseca com os elementos da natureza, porém alcança caráter universal ao ampliar o horizonte de preocupações, em poemas longos e reflexivos, muito além dos temas que afetam o cotidiano da nossa aldeia. No mais, o livro atenta para a ameaça antidemocrática e o ressurgimento de teses fascistas em terras brasileiras. Já a obra Poemas de terra & mar, último livro dessa trilogia, reconecta o poeta de um passado em terras mineiras, nas montanhas, com a vivência vasta de um universo sem porteiras. O mar. De uma universalidade que encontra ressonância nos pequenos barcos e navios ao largo. Dos pássaros que cantarolam ao amanhecer, às imagens que sobreviveram nas gavetas e que carrego comigo nas minhas andanças. De fato, há em comum nessas três obras o retrato de um tempo jovem, quando era preciso certa dose de rebeldia em face de um universo que sempre nos quer atento mas, antes de tudo, em completa e leve imersão.

Você transita entre romance, conto e poesia. No caso de Poemas de terra e mar, o que muda (ou o que permanece) no seu modo de construir linguagem e imagens quando escreve poesia em comparação com a prosa?

Realmente, como um bom geminiano, o meu trabalho tende para a pluralidade não apenas temática, mas também de gêneros (nem sempre bem delimitados) e isso, muitas vezes, resulta numa certa problemática na busca de uma produção mais uniforme… Mas como é da minha natureza a dispersão, os múltiplos interesses e capacidade de absorção dos estímulos que me cercam, tento tirar proveito e não transformar isso num problema. Pelo contrário. Afinal, vivemos em tempos nada instáveis em que tudo que é sólido se desmancha no ar, não é mesmo? Nos meus textos ficcionais e poéticos há, sim, diferenciação na construção da linguagem e modos de produção. Nos romances, o que está em jogo é o exercício da memória em alternância dos espaços e tempos em que se movem os personagens. O romance Do outro lado da rua, por exemplo, e pelo qual tenho muito apreço, trata-se de um texto experimental em que conjugo primeira e terceira pessoas, numa metanarrativa que se passa nos tempos atuais e numa Curitiba dos anos 50. O próprio romance é uma continuação do conto Uma vela para Dario, de Dalton Trevisan e o livro todo é um exercício de como construir uma narrativa para chamar atenção do leitor, sobre os limites entre realidade e ficção, conjugando literatura e jornalismo. Gosto de trabalhar também com os processos de montagem e estruturas diferenciadas. Na poesia, o trabalho com linguagem é mais complexo, pois que é possível criar ritmos, musicalidade, projetar o leitor no universo imagético, por meio da polissemia. Cada palavra, um som. Cada rito uma imagem. O poema como uma oração, como um ritual litúrgico a ser declamado em voz alta. Quanto ao processo de produção, acredito na poesia mais como fruto de inspiração, insights, como um jogo de moldar palavras, as quais se encontram em algum lugar esperando ser encadeadas para criar uma nova vida, um novo sentido. Depois vem a razão, o trabalho de burilar ou não… Já os meus escritos ficcionais também são revestidos de poesia, mas diferentemente trata-se de um processo que exige disciplina e uma imersão cotidiana na vida dos personagens e de um exaustivo trabalho com a pesquisa.

Os poemas do livro parecem dialogar entre si, mas também guardam certa autonomia. Eles foram escritos em um mesmo período ou ao longo de diferentes momentos? E como se deu o processo de seleção e organização para compor o livro?

Confesso que com o livro Poemas de terra & mar eu tive a sensação de ter ‘limpado as gavetas’, navegando por um manancial poético do tempo de agora e do passado. Como já disse, os três livros compreendem mais de quarenta anos de poesia na história desse escritor. Posso afirmar que é uma antologia do muito que não foi publicado, pois só comecei a editar os meus livros em 2013. Na verdade, compreende uma parcela não desprezível de textos que se mantiveram intocáveis, outros que exigiram adereços e um novo sentido, e até aqueles em que restaram o espírito vivo de uma percepção, sentimento ou compreensão do mundo. Neles, era preciso preservar a sua época, a essência, ou até criar uma nova forma, estrutura. A poesia me chega em ondas. Reflete o tempo e o lugar onde vivi. Tenho por conta. As influências momentâneas. Nela, pode haver o clamor da juventude anárquica, daquele que imagina ser um sujeito tímido, rebelde, avesso às convenções ou o olhar extasiado perante o amor e a natureza. Esses escritos não sobreviveriam por si sós. Faltavam-lhe musculatura. Por isso, muitos ganharam novas versões e, o melhor, passaram a integrar um corpo poético, substancial, ao lado de outros de agora e mais maduros. Enfim, nesses se fundiram, ganharam unidade e compreensão do leitor do tempo e do espaço em que foram moldados. Assim, espera-se. Eu escrevo desde os treze anos de idade, inclusive nessa trilogia há um poema feito aos dezessete e que está no meu primeiro livro. A poesia me acompanha por toda vida, gesta em silêncio no meu coração e na minha alma, e quando menos dou conta ela me assalta, me surpreende, quase pronta nesse caminho desconhecido de buscas e prazer, que somente se consubstancia no ato da leitura.

Ficha bibliográfica

Poemas de terra e mar, de Roberto Nicolato, 72 páginas, 40 poemas, revisão de Tatjane Garcia; capa e editoração de Cecília Rosa. Ouro Preto: Caravana, 2026.

Trecho

Poucas palavras (pág. 44)

Tudo já foi dito ou
está escrito nos livros.
Antes dos pergaminhos,
tábuas da lei, os deuses
falavam às criaturas,
Palavras explodidas,
convictas, rebeldes,
em castelos e palafitas.
Simples palavras,
sonoras linguagens
nasceram benditas,
benzidas, nas estampas,
verbo tornaram-se,
carne extasiada,
em Caravaggio,
imagens maculadas,
de luz e escuridão.
Desde o seu nascer
que a palavra alenta
cantigas, espasmos,
o grito de horror
nas telas do pintor,
que se indigna,
nos refúgios, guerras,
em promessas vãs.
A palavra falada
que movimenta
e desatina, rompe
as celas, liberta
cadeados, alada.
A palavra dita
nos sermões,
vívida, ameaçada,
que acalenta
a tempestade,
Embala os sonhos,
do novo, ancião.
Quando aprisionada
nas mentes sãs,
fora dos sentidos,
Corroi, assassina
a temperança,
a palavra maldita
os amantes a
arrebatam à beira
da dor e paixão.
Expulsa do paraíso,
a palavra movimenta
atenta, retorna
ao primevo tempo
de rituais, adivinhações,
nas matas, nos templos
a palavra cristã,
pagã, apoplética,
inventa canções…
Vaga pelas cidades,
céus e purgatórios,
a palavra ensaiada
nas danças de salão,
em máquinas velozes
que trituraram mãos.
Desde que assumiu
o rosto do mistério,
fonte de luz e calor,
que a palavra
estampou-se no véu
dos arrependidos,
dos beatíficos,
iluminaram tabernas,
divindades do verbo,
chagas de Santo Antão.
Proferida nos oráculos
Da deusa, no rádio,
Nas redes e televisão,
a palavra fina, espessa,
de fio tensionado,
espalha frases arredias,
falsas tecnologias…
Por ela, Semeão subiu
no pedestal de pedra,
Caronte navegou
seu barco bêbado,
Narciso se antecipou,
no lago, mirou o caos.
São essas as palavras:
a oculta, a iluminada
a sempre viva.
Tirésias, sabes então,
que são essas as poucas
que juro e profiro.

SERVIÇO

Para adquirir o seu exemplar de Poemas de terra e mar, clique no botão abaixo:

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Entre o visível e o indizível: o clipoema Menos Claras, de Marcelo Sandmann

admin-querela — Tue, 07 Apr 2026 19:13:20 +0000

Entre palavra, som e imagem, o poeta Marcelo Sandmann expande os limites de sua própria escrita ao gravar o clipoema Menos Claras, obra que tensiona percepção e linguagem em diferentes camadas sensoriais. Com produção audiovisual assinada por Francisco Sandmann, o trabalho propõe uma travessia estética em que o poema deixa a página para ocupar o espaço híbrido do audiovisual.

Professor de literatura no Curso de Letras da Universidade Federal do Paraná, Marcelo Sandmann construiu uma trajetória sólida na poesia contemporânea brasileira, com nove livros publicados. Entre os mais recentes estão Antologia Poética (Kotter/Ateliê, 2017) e Não Cicatriza (Kotter, 2021). Também organizou A Pau a Pedra a Fogo a Pique: Dez Estudos Sobre a Obra de Paulo Leminski (2010), além de atuar como músico instrumentista e compositor nos grupos ZiriGdansk e Orquestra Sem Fim — experiências que atravessam e ampliam sua escrita.

No clipoema, Menos Claras ganha corpo e ressonância ao explorar aquilo que escapa ao evidente: o invisível, o intangível, o que desafia a lógica e a linguagem. Entre imagens de abalos e matéria em combustão, o poema convida o espectador a um mergulho em zonas de incerteza, onde sentir precede compreender, e onde a palavra se torna mais densa e pulsante.

Menos Claras

Marcelo Sandmann

Vamos falar de coisas menos claras.

Do que à primeira vista

não pode nem ser visto.

Do que em contato

escape a todo tato.

Vamos ouvir o som de um sismo percutindo

em fundo de cratera

de satélite em declínio

de planeta perdido em remoto

sistema solar.

Vamos sonhar com o que foge à matemática,

pois que é de outra matemática,

mais dura e rara.

Um cálculo que o cérebro processe

quando em coma.

Vamos amar a mulher em chamas,

vulcão em trabalho de parto.

Ela verte com fúria suas cinzas,

e lava em lavas

o que esteja no caminho.

Vamos rezar ao deus abatido,

que jaz no fundo do corpo.

(Que jaz no fundo do copo.)

Essa água mais seca que a sede,

mais turva que o vinho.

Francisco Sandmann

É artista plástico, produtor audiovisual e estudante de Filosofia. Seu trabalho se desenvolve a partir das relações entre forma, matéria e percepção. Transitando entre diferentes linguagens, sua prática busca explorar tensões entre imagem e materialidade, presença e construção, sensibilidade e pensamento.
No audiovisual acima, uma colaboração de pai e filho.

Foto: Arquivo pessoal

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A vertigem e o espelho geracional da poesia madura de Ricardo Carvalho

admin-querela — Mon, 23 Mar 2026 19:32:40 +0000

Assinada por Marcelo Sandmann, a resenha de Geração Zonza: 50+ poemas sobre homens 50 examina o retorno literário de Ricardo Schmitt Carvalho após mais de duas décadas sem publicar, situando sua poesia no cruzamento entre experiência individual e pertencimento geracional. Com olhar crítico e atento às tensões contemporâneas, Sandmann destaca uma escrita que oscila entre o humor e a inquietação, entre a crônica do cotidiano e a reflexão metapoética. O resultado é uma leitura que convida a pensar não apenas o lugar desse autor na poesia brasileira recente, mas também o próprio gesto de escrever diante das urgências e ambiguidades do presente.

(AS)

Foto: Arquivo pessoal

Ricardo Schmitt Carvalho

Curitiba, PR, 1966. Trabalha com palavras, imagens e conceitos de comunicação desde os anos 90 em agências de publicidade e em projetos pessoais. Já escreveu e dirigiu vídeos, programas e interprogramas de TV. Há 23 anos publicou seu primeiro livro de poemas, Lascas, pela editora curitibana Medusa. Este é o segundo.

Ficha Bibliográfica

Geração Zonza: 50+ Poemas Sobre Homens 50+, de Ricardo Schmitt Carvalho, com 100 páginas. Capa e projeto gráfico: Karine Kawamuro – Lumen Design. Ilustrações: Cesar Marchesini e Karine Kawamura. Orelha: Mário Henrique Domingues. Posfácio: Luciana Martins. Curitiba: Ed. do Autor, 2025.

Resenha

Geração zonza: 50+ poemas sobre homens 50+ | Ricardo Schmitt Carvalho

Marcelo Sandmann

Geração zonza: 50+ poemas sobre homens 50+, publicado em 2025, é o segundo livro de poemas de Ricardo Schmitt Carvalho. O primeiro, Lascas, veio a lume pela chancela da Editora Medusa, de Curitiba, em 2002. O intervalo de 23 anos entre um e outro é digno de nota, até porque o autor não publicou nenhum título dentro de outro gênero literário nesse meio tempo. Tampouco terá atuado significativamente como crítico ou tradutor, atividades frequentes de quem se dedica ao ofício da poesia. Trata-se de autor de produção pequena e esporádica, que poderia ter se restringido aos lavores juvenis, como tantos, mas que volta à ativa agora às vésperas de completar 60 anos.

A consciência da passagem do tempo e das inescapáveis marcas de geração está posta já no título do livro. Geração zonza joga, humoristicamente, com termos correntes da sociologia, demografia e marketing, como Geração Z, Millenials, Geração X, Baby Boomers, para lembrar alguns. O próprio poeta, nascido em 1966, se situa ali no limiar entre Baby Boomers e Geração X, com infância e juventude num mundo ainda analógico, de televisão aberta e telefone fixo, e vida adulta marcada pelo universo digital, com computadores, celulares e internet. É uma geração de “trânsito” entre tecnologias, valores e maneiras de se relacionar. Daí a sensação de “vertigem”, “atordoamento”, “confusão” que o termo “zonzo” traz consigo. Trata-se de uma geração que viu o mundo se transformar radicalmente num intervalo de tempo relativamente curto, e que por isso talvez se sinta viver entre dois mundos, um que já não existe de todo e outro ao qual terá custado a se adaptar.

Mas se a expressão “homens 50+” traz a marca do tempo, e situa o próprio autor nesse mesmo tempo em termos geracionais, ela conversa com outra que se consagrou (e suas variantes): LGBTQIA+, o que nos remete ao campo complexo (e polêmico) das “identidades”. O problema da “representatividade” do autor e de sua poesia, e portanto do lugar que ela ocuparia num universo em que o “lugar de fala” se transformou em chave inescapável de leitura e critério de avaliação, se escancara em poemas que lemos ao longo do livro, de seu início ao fim.

Já num dos primeiros segmentos, “olhe ao redor”, encontramos “gastura de uma geração”, cujas estrofes iniciais dizem o seguinte, em tom de piada e provocação: “eu podia estar assediando alguém e achando que é brincadeira / eu podia estar te perguntando se é pavê ou pacumê / eu podia estar fazendo um podcast // mas estou aqui buscando versar / de algum jeito conversar / a respeito de seres tão héteros / à beira do cancelamento / boomers alguns bem cínicos / muitos apenas perplexos // (…)”.

Em “representação”, por sua vez, que se encontra no segmento “epílogo”, podemos ler: “estranho o ato de representar / alguém com o projeto / de representar uma geração // cabra jurado para gerar / um objeto válido / representante literário / de um recorte demográfico / (o que poderia dar errado?) // mas a proposta é essa mesmo / representatividade / hétero cinquenta mais / (de alguma forma) e contrapartidas / e seja o que deus quiser // (…)”. Em meio à cadência prosaica e entrecortada dos versos (marca da poesia de Carvalho), com termos que explicitam a autoconsciência identitária (“hétero cinquenta mais”), o poeta semeia expressões que têm o seu tanto de curioso. A sequência mais óbvia para uma locução cristalizada como “cabra jurado” seria “cabra jurado de morte” (um “cabra marcado pra morrer”, para lembrar o documentário de Eduardo Coutinho), e não algo como “gerar um objeto válido” (um “poema”, um “livro”), que tem seu tanto de pernóstico. E “seja o que Deus quiser”, com seu misto de resignação, confiança e entrega ao destino, é expressão de quem sabe dos riscos (e dos desentendimentos) que corre ao sublinhar uma identidade que se tornou uma espécie de “grau zero identitário” e cuja afirmação (ou reafirmação) pode soar desfaçatez.

“… poesia …lírica, atravessada por humor e ironia, que carreia para o texto muito da relação do ‘eu biográfico’ com outros sujeitos de seu cotidiano…e dos encontros e desencontros…”

Outro poema em que a questão aparece formulada é “Nau identidade”, que vem logo a seguir: “o Bojador / além do qual queremos passar / (sempre muitas imagens épicas) / aqui é bífido: // (….)”. Ressoando famosos versos de Fernando Pessoa (cuja “heteronímia” é, à sua maneira, uma vigorosa problematização da “identidade”, posto que do sujeito poético), o poeta põe agora em causa sua própria possibilidade de “representar”, enquanto sujeito singular, todo um coletivo, apesar da inevitabilidade disso. O paradoxo, a ambivalência (o que ele entende por “bífido”) se explicitaria no seguinte – numa mão: “um / a impossibilidade básica / de se falar por alguém / fora de si mesmo e olhe lá”; na outra: “dois / a inevitabilidade demográfica / de trazer marcas coletivas na voz / independentemente de querer”. É dessa tensão que ele parte para os seus “descobrimentos” (a sua atividade de criação), propondo ainda outro paradoxo, aquele que se estabelece agora entre “seriedade” e “derrisão”, polaridades em que oscila sua poesia: “ansiosos armamos o bote / e zarpamos // repletos de vento / levando a sério o projeto / mas na real mais pelo rolê.”

Os poemas falam muito do próprio autor e de sua experiência no mundo, do mundo e com as pessoas que habitam esse mesmo mundo. Trata-se de uma poesia eminentemente lírica, atravessada por humor e ironia, que carreia para o texto muito da relação do “eu biográfico” com outros sujeitos do seu cotidiano (a mulher, a família, companheiros de geração, escritores/criadores de referência etc.), e dos encontros e desencontros daí advindos. Somam-se ao todo 52 poemas (50+ poemas, portanto), que se distribuem em oito partes numeradas e intituladas, a que se acresce um prólogo, que não recebe numeração. A segmentação do livro propõe núcleos temáticos, que o título aplicado a cada segmento por vezes indica, como em “1. olhe ao redor”, que traz textos em que o poeta medita sobre o momento contemporâneo e o mundo à sua volta; ou “4. corpo”, em que a passagem do tempo e o envelhecimento são a tônica; ou ainda “5. não sei nem se fica bem”, que trata da relação com a mulher, numa explicitação da intimidade, o que confere boa dose de humor ao título. Mas noutros casos, a expressão escolhida causa estranheza, como em “7. rã cinza”, em que a conexão entre o título do segmento e o assunto dos textos não é evidente, eventualmente private joke, talvez trocadilho com “ranzinza”, ou puro nonsense, difícil decidir.

“… a concomitante consciência da precariedade do corpo… situações corriqueiras, capturadas com humor, sem drama, com boa dose de resignação, numa poesia rente à prosa… pequenos lances da vida a dois…”

O balanço geracional, que é um dos temas fortes do livro, como se viu, aparece de modo claro num dos primeiros poemas, “comprei um café e me sentei”. Nele, temos um levantamento de “homens 50+”, eventualmente amigos, ou conhecidos do autor, que surgem elencados uns atrás dos outros, formando uma galeria de tipos e possibilidades de destino: “um se não me engano tinha um porsche e um filho gay / morreu de alguma doença e desgosto // outro pegou covid foi pra uti sobreviveu a custo / mas foi maltratado pela enfermagem // (…) alguns são bem-sucedidos e felizes / e nunca tiveram uma crise de identidade // (…) tem o que manda memes e odeia muito o fato / de que o mito ainda não esteja na cadeia // outro posta em excesso e amarga o destino intolerável / de rever um ex-presidiário no palácio // (…) magros correm puxam ferros fazem pilates / água com gás e limão espremido em copo à parte // gordos sofá cervejinha carne sal e se empanturram / e só empurram com a pança a saúde (…)”.

O envelhecimento, com a concomitante consciência da precariedade do corpo, é outro assunto que vale poemas, quase sempre em chave humorística. Em “falange veterana”, texto que abre o segmento “corpo”, cujo título poderia remeter a algum coletivo de “velhos militantes e/ou combatentes”, o poeta trata de uma outra “falange”, o osso que constitui os dedos, frágil com a idade e passível de contusão e fratura: “à espera do ortopedista / do plano de saúde / o medo do diagnóstico / transpassa o celular / e me pega na mão // (…) // tem como arrumar? / vai ter que operar? / eu posso pagar? // (…)”.

O tríptico “viver para sempre”, que vem logo a seguir, fala da ida ao consultório acompanhando os pais: “no cardiologista dos meus velhos / ela oitenta e três / ele noventa e um / primeira consulta do nonagenário / após seu segundo cateterismo”. O pai, cardíaco, ainda ouve bem, mas já sofre de alguns problemas neurológicos, que o confundem: “a audição do meu pai está boa / a memória é que esboroa / (…) / já sei que ele não lembra mais / porque está aqui / quem será esse cara de branco / que fala tanto e parece / conhecido de algum lugar”. A mãe já pouco escuta e acredita suprir a deficiência com um certo expediente, ele também precário: “minha mãe ouve quase nada / e detesta a ideia de usar aparelho / o que não escuta lê nos lábios / de quem conversa com ela / mas esses dias esteve no oculista / está com uma mancha preta / na parte debaixo da vista.” São situações corriqueiras, capturadas com humor, sem drama, com boa dose de resignação, numa poesia rente à prosa.

Outro tema digno de nota é a relação com a mulher, presente no segmento “não sei se fica bem”. Aqui o poeta procura explicitar pequenos lances da vida a dois, em diferentes registros. Pode ser um momento de amuo e enfado, como o que surge entre casais de longo convívio, como este que aparece em “você robocop meu coração”: “quando eu reclamei que o celular / não estava reconhecendo minha digital // que ainda ontem eu tinha sido / convencido por ele mesmo / a usar como identificador biométrico / para acessá-lo // não era pra você responder / com racionalidades evidentes”. O poeta se queixa então da censura que lhe faz a companheira e do fato de ela ter dado razão ao aparelho eletrônico, apontando suas inabilidades frente a um mundo crescentemente tecnológico (e a obsolescência, não da máquina, mas do homem), e conclui: “e de você eu esperava mais / meu amor”. Mas a relação também pode dar espaço a belas epifanias, como a que se lê em “hoje”: “meu corpo junto ao vosso é um milagre na praça / às vezes acho que posso às vezes fico sem graça / mas já que estamos aqui / vou me deixar existir”. Diante do corpo a que o convívio habituou, há momentos de súbito redescobrimento, em que o amor se reafirma. Os versos finais, ecoando canções de Caetano Veloso e Luiz Melodia, são claros nesse sentido: “hoje não lembro se já te falei que te amo / amor na boca do povo é muitas vezes engano / mas sigo nem ligo e te digo de novo te amo”.

Ainda um último tema, inescapável, é o da própria poesia enquanto objeto de reflexão. O livro, como aparece referido nos agradecimentos iniciais, no corpo de alguns poemas e na contracapa, foi publicado com recursos públicos oriundos de lei de incentivo. O autor, com alguma graça, faz disso assunto já no “Prólogo – em outro plano mental”, sugerindo que os poemas (ou ao menos boa parte deles) teriam sido escritos a posteriori, depois da aprovação do projeto, e como que em função desse mesmo projeto: “começo limpando a mesa / o desktop / o coração / e os ouvidos // começo com uma promessa / que é dívida: / projeto aprovado / e cronograma de ação” (“ano novo”); “100 poemas oh céus / até dia tal // calma / não pense assim // pense / mês que vem é carnaval // vai ser um desfile de versos / requebrando no teclado” (“sem poemas em janeiro)”; depositou my lord / o órgão do governo // (…) // comunicarei à equipe / e podemos começar” (“it’s official”). Tais formulações tiram do ofício literário a aura habitual de necessidade interna e vocação (lembre-se das Cartas a um jovem poeta, de Rilke), e dão a ele um lugar bem mais comezinho, de algo premeditado, feito sob encomenda e devidamente remunerado. Seria de se perguntar se os poemas (e não apenas a publicação do livro) teriam sido dados à existência se o projeto não tivesse sido aprovado. Qualquer visada mais idealizante do ofício do poeta se desfaz aqui, fazendo da poesia um trabalho como outro qualquer, que só se realiza sob alguma demanda bem objetiva.

No corpo do livro, para além do “Prólogo”, o tema do fazer literário aparece ainda em “lembrete” e “código-fonte”. O primeiro, poema breve, trata da coisa prática, do trabalho cotidiano e insistente, à revelia de qualquer inspiração ou motivação mais “profunda” ou “elevada”: “dedo a dedo / tecla a tecla / tarde ou cedo / uma letra ganha a tela e outra / deixa de ser secreta / o movimento vence o medo / e a estrofe brota”. Já o segundo, que traz em seu início a indagação dos motivos de se escrever e da consideração dos riscos de exposição pessoal a que sempre se corre, restitui uma certa áurea de “sacralidade” e “finalidade maior” ao fazer criativo, que as digressões metapoéticas até aqui explicitadas pareciam desarmar: “por que fazer este livro afinal / pra que abrir este flanco // (…) // vibra um calor no peito ouvir / sinais buscar discernimento / tocar a mão na bica ou veio / de onde ainda mina encanto // aqui no fim da linha ou meio / experiência de não ter morrido // (…)”.

“A que linhagem da poesia brasileira recente a produção de RSC se filia? É difícil dar resposta inequívoca … até pelo caráter centrífugo e entrópico da poesia contemporânea.”

Da auto-consciência criativa, com suas contradições, emerge também o universo de referências literárias e artísticas que o autor mobiliza, que são variadas, e que não cabe aqui inventariar pormenorizadamente. As referências mais ou menos explícitas que surgem ao longo do livro remetem a figuras canônicas, como Emily Dickinson e Álvaro de Campos (nas epígrafes); ou (nos poemas) Fernando Pessoa, Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade, Vinicius de Moraes, nomes óbvios da poesia em língua portuguesa; ou Shakespeare, Cervantes, Melville, de expressão universal; ou ainda Dorival Caymmi, Nelson Cavaquinho, entre outras sugestões que vêm da música popular (alguns dos poemas surgiram como letra de canção, como se lê nas notas) e da indústria cultural. Nada que extrapole o âmbito de um leitor com uma mínima bagagem e de alguém com os sentidos antenados no que ocorre na mídia ao redor.

A que linhagem da poesia brasileira recente a produção de Ricardo Schmitt Carvalho se filia? É difícil dar resposta inequívoca a tal indagação, até pelo caráter centrífugo e entrópico da poesia contemporânea. Uma definição a partir de parâmetros sociais e de gênero, a que o título do livro e o próprio livro, aliás, convidam, seria restritiva e falaria muito mais do “sujeito que escreve” do que propriamente do “escrito”. Sua linguagem é predominantemente direta e coloquial, com o eventual uso de termos mais eruditos ou raros com fins humorísticos. Recorre sobretudo ao verso livre, com rimas aqui e ali, sem pontuação ou uso de caixa alta no início de segmento sintático, com muitos cortes abruptos e enjambements, numa dinâmica meio caprichosa que oscila entre o trôpego e o cadenciado. Faz uso, portanto, de uma dicção comum a muitos autores contemporâneos.

O poeta não faz questão de se filiar a nenhum grupo de modo explícito, nem parece dialogar claramente com nomes mais recentes da produção poética brasileira ou internacional. Trata-se de autor de trajetória independente, que escreve ao largo das polêmicas que tensionam o campo e que está pouco preocupado com questões como inovação ou originalidade. Geração Zonza vale como um depoimento pessoal e de geração de uma inteligência atenta, madura, que tempera o desencanto e a resignação com humor e ironia, e que procura encontrar, à beira de ingressar na terceira idade, encanto e sentido no regresso à poesia.

Marcelo Sandmann

É professor de literatura no Curso de Letras da Universidade Federal do Paraná. Publicou até o momento 9 livros de poesia, entre os mais recentes Antologia Poética (Kotter/Ateliê, 2017) e Não Cicatriza (Kotter, 2021). Organizou o livro A Pau a Pedra a Fogo a Pique: Dez Estudos Sobre a Obra de Paulo Leminski (Secretaria de Estado da Cultura do Paraná, 2010). É também autor de canções e músico instrumentista, integrando os grupos musicais ZiriGdansk e Orquestra Sem Fim.

Foto: Luíza Sandmann

Trecho

FALANGE VETERANA

à espera do ortopedista

do plano de saúde

o medo do diagnóstico

transpassa o celular

e me pega na mão

por que raios fui tão rude

e leviano ao apoiar meu peso

nas falanges de supetão

para bisbilhotar por cima

daquele portão?

porque podias, meu anjo

e gracias a la vida

respondem minhas palmas

coladas em oração

elas que já lamberam

longos corrimões públicos

buscaram chaveiro em privada

levaram choque em chuveiro

fizeram dinheiro do nada

serviram de nadadeiras

afagaram e apedrejaram

tiraram lixo e soltaram pipa

seguraram moça

e água de cachoeira

seis décadas quase de uso

me olham fundo e acolhem

o frágil paciente confuso

tem como arrumar?

vai ter que operar?

eu posso pagar?

ouço meu nome

e antes de levantar

parece que ainda vejo

ao lado do anelar bem inchado

acenando pra mim

a gratidão por tudo até hoje

a fé que vai dar tudo certo

um e outro polegar opositor

mais os outros dedos

todos a meu favor

Ilustrações: Cesar Marchesini e Karine Kawamura

Serviço

Geração zonza: 50+ poemas sobre homens 50+ | Ricardo Schmitt Carvalho

Edição do Autor

Disponível gratuitamente em e-book.

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Viagens fantásticas, pesadelos cruéis de Dédallo Neves

admin-querela — Thu, 19 Mar 2026 19:45:15 +0000

Em Viagens fantásticas, pesadelos cruéis Dédallo Neves reúne poemas que percorrem diferentes dimensões da experiência individual e coletiva. Organizado em cinco seções, o livro aproxima relato autobiográfico, memória familiar e reflexão sobre arte, articulando episódios concretos da vida cotidiana com referências literárias e culturais.

A resenha apresenta um panorama da obra, destacando sua estrutura, os principais núcleos temáticos e os procedimentos de linguagem que atravessam o conjunto dos poemas.

Ficha bibliográfica

Viagens fantásticas, pesadelos cruéis, Dédallo Neves, com 92 páginas, 5 seções.
Editora: Angela Ramalho, preparação e capa: Eliane Arruda. Maringá: A.R. Publisher Editora, 2024.

Sobre Dédallo Neves

Dédallo Neves tem 33 anos, é escritor, professor e doutor em sociologia pela Universidade Federal do Paraná (UFPR). Publica contos, crônicas e poemas em antologias e revistas desde 2013. Foi finalista do concurso Contos da Quarentena (Editora Kotter e Brasil 247), em 2020; seu livro Viagens fantásticas, pesadelos cruéis foi contemplado no prêmio Outras Palavras (Lei Aldir Blanc) no mesmo ano. Em 2023, publicou Minha bricolagem, Osvaldinho (poemas, Editora Urutau). Nasceu e vive em Curitiba.

Resenha

Entre o corpo e a linguagem: percursos em Viagens fantásticas, pesadelos cruéis

Adriana Sydor

Publicado em 2024, Viagens fantásticas, pesadelos cruéis reúne uma coletânea de poemas organizada em cinco seções. O livro estrutura-se a partir de núcleos temáticos que articulam experiência corporal, memória familiar, reflexão sobre arte e observação da vida cotidiana. A divisão interna orienta o percurso do leitor e estabelece diferentes campos de abordagem para a voz poética.
O volume abre com a seção Mais medos que perigos, precedida por uma epígrafe retirada do romance O Idiota, de Fiódor Dostoiévski, em que menciona a sensação de lucidez extrema associada à epilepsia. A referência introduz um conjunto de poemas centrados na experiência da doença. Os textos descrevem episódios de crises convulsivas, quedas e momentos de perda de consciência. O corpo aparece como lugar de ruptura do controle e de alteração da percepção do tempo. Diversos poemas registram a duração mínima do ataque e o retorno gradual à consciência após a crise.
A experiência corporal é apresentada em ligação com situações concretas: deslocamentos pela cidade, permanência em espaços públicos e o contato com desconhecidos que testemunham o episódio. Em vários momentos o sujeito lírico descreve o momento da queda e a reação das pessoas ao redor. A memória do acontecimento aparece fragmentada, composta por imagens descontínuas, objetos perdidos ou deslocados e relatos posteriores de familiares ou conhecidos.

A cabeça no chão
O sangue pelos cotovelos
A palma da mão
A rasgar sem piedade
As pedras

Mesmo assim
Alguém me assaltou
Levou minha carteira
Eu era ali um indigente
Convulsivo
[…]

Era tudo branco em volta
Embaçado
Eu tinha a vista prejudicada
O bandido me chutou a cara
As mãos perderam
a sensibilidade

Eu era
o Bicho
o Excomungado
Aquele-lá-debaixo
A senhorinha viu e não fez nada

(Porque quando, pág. 18)

A segunda parte do livro, intitulada O artista venceu a arte, desloca o foco da experiência física para reflexões sobre cultura e produção artística. Os poemas dessa seção discutem a relação entre arte, tradição e público. Em vários textos aparecem referências a debates estéticos e a autores da tradição literária e filosófica europeia. O discurso incorpora menções a correntes culturais, reflexões sobre o papel do artista e observações sobre a circulação da arte em diferentes meios sociais.
Alguns poemas dessa parte utilizam procedimentos de intertextualidade. Um dos textos apresenta-se como resposta a um poema de Wisława Szymborska, reorganizando imagens presentes na obra da autora. O poema constrói comparações entre formas de organização social e estruturas observadas na natureza, utilizando imagens de insetos, enxames e organismos coletivos para pensar a relação entre indivíduo e sociedade.

[…]
Papel-ano-zero das luzes
Ninguém estava decidido sobre as cifras
Papel dos czares degolas e vacinas
Papel-opulento
Papel-nenhum pitada, já julgo o erro
Papel da força a ser usada na formação intelectual
dessa nova raça.

(137, pág. 34)

A terceira seção, Poemas de amor referenciado, reúne textos centrados em experiências afetivas. As relações amorosas aparecem associadas a lembranças, encontros e separações. Em vários casos, os poemas estabelecem diálogo com referências literárias ou culturais, aproximando episódios pessoais de textos da tradição literária. O discurso alterna fragmentos narrativos e reflexões sobre a memória das relações.

A sua língua
preenchia a
minha boca
nos debates
antigos
em que ambos
éramos derrotados
ainda que
gritássemos
verdades
inegociáveis

(s/t, pág. 52)

Na quarta parte, A poesia existe nos fatos, os poemas aproximam a escrita poética da observação de acontecimentos cotidianos. Situações comuns (conversas, deslocamentos urbanos, encontros ocasionais) são registradas e transformadas em matéria do poema. Os textos apresentam cenas breves e comentários sobre essas experiências, sugerindo a ideia de que a poesia pode surgir da atenção a eventos ordinários da vida diária.

[…]
como meu patrão é velho
estou ansioso pelo dia de sua morte
vou ficar pelas boas
mas como sou empregado sempre haverá outro patrão
para repetir as maldades
será um patrão a menos no mundo, torço!
Mussolini pelos pés

(É só um poema, pág. 58)

A seção final, A concretude do ser está na arte, retoma temas anteriores e os articula com reflexões sobre o próprio ato de escrever. Os poemas discutem a relação entre experiência pessoal e criação artística, aproximando vida e linguagem. O sujeito poético comenta a atividade do poeta, a construção do poema e o modo como a arte pode reorganizar acontecimentos vividos.

Criou aquilo que gostaria de ter vivido
A ilusão que bate nos desvalidos
Não é bem verdade tudo o dito
Dos desejos escritos
É uma história daquilo que foi
e não que poderia ter sido
[…]

(Daquilo que poderia ter sido, pág.80)

No conjunto, Viagens fantásticas, pesadelos cruéis organiza-se como uma sequência de textos que percorre diferentes dimensões da experiência. A divisão em seções delimita campos temáticos específicos, enquanto a voz poética mantém continuidade ao longo do volume, articulando relatos pessoais, referências culturais e comentários sobre a prática da escrita. O livro foi publicado com recursos das políticas públicas de fomento à cultura, por meio da Lei Aldir Blanc, iniciativa que possibilitou sua edição e circulação. Ao mesmo tempo, o processo editorial apresenta alguns problemas estruturais, entre eles a ausência de participação direta do autor na etapa de preparação do livro, o que parece ter contribuído para certas inconsistências na organização final do volume.
Há também questões editoriais que acabam interferindo na recepção da obra. Embora o livro tenha sido publicado em 2025, a ficha catalográfica registra o ano de 2024, o que pode gerar dificuldades para a inscrição da obra em concursos literários que exigem correspondência entre data de publicação e documentação bibliográfica. Além disso, a edição apresenta diversos problemas de revisão e diagramação. Erros dessa natureza interrompem o fluxo da leitura em alguns momentos e deslocam a atenção do leitor para aspectos formais da publicação, criando um ruído que se interpõe à experiência dos poemas.

Sobre Adriana Sydor

Adriana Sydor é jornalista, cientista cultural e escritora, publicou seis livros entre poesia e crônica. Doutoranda em Ciências da Cultura, atua também como editora, curadora de projetos artísticos e professora de escrita.

Trechos

100 (pág. 9)

sou uma patologia
uma doença nervosa
com manifestações ocasionais, súbitas e rápidas
sou o distúrbio da consciência

consigo ver as cores do óleo fritando
e o prisma na água mansa
volto ao tempo, e paraliso nele
perco em três minutos

antes dou uma sova suasória e ardente
a água acalma a náusea no estômago
que fervilha por não aguentar minha pressão
não adianta, sou travosa

sou uma interpretação
a invasão no corpo
um touro-mecânico
um touro espanhol

saltito, ricocheteio e galgo meu espaço
tremeleio, tremelico.
sou tremeluzente
sacudo as arestas da alma
dou uma trepada animal

são três minutos
sou ligeira
saio, deixo rastros
e lego a incerteza da minha volta

—-

Daquilo que poderia ter sido (pág. 80)

Criou aquilo que gostaria de ter vivido
A ilusão que bate nos desvalidos
Não é bem verdade tudo o dito
Dos desejos escritos
É uma história daquilo
que foi e não que poderia ter sido

Como percebeu-se
Mudanças e assuntos
não concluídos

Cozinhas que conversam
Cenários de épocas
Louças não envelhecidas
Troca-as para renovar o ar
São como as ideias

De grupos
De livros
De teorias
De amigos

Inventou para consigo soluções
estarrecedoras à satisfação
das vidas que gostaria de ter vivido

O lixo está cheio de ideias velhas
Pelas metades

A flauta
O frasismo
O poeta
O teórico

As revistas e os livros
O samba
Composições
O estrangeiro do mundo
O estrangeiro de Camus

Todas estão num lixo que tenta transformar em livro
Um livro das coisas que gostaria de ter vivido
Do Gabriel García Márquez que gostaria de ter escrito

A lata está cheia
A lua também
Dentro de si
Tem uma narrativa imensa
Onde está?
Precisa cavar
Lâmina 10
Abrir o peito e arrumar o coração
Cateterismo
Se estiver mal
ponte de safena

O problema é mais profundo
Como as ideias
Daquilo que poderia ter sido

As ambivalências dialéticas
Entre o ser e o nada
Por sê-lo permite desenhar qualquer pintura
Está justificada a criação do que gostaria de ter sido
A partir do ontem contou o futuro da sua vida

Maravilhosa e divina
Subversiva
Numa ebulição de álcool sem ressaca
O silêncio da escrita
Nos botecos
Na rua
Um amor eterno

Os filhos
O jardim
A sarjeta

Brigas literárias rendidas a socos e pontapés
Entrevistas
Querem saber o que tem a contar e tem muito
Coisas daquilo que poderia ter sido

A lata engorda
Tentou outro dia afundar o lixo
mas de tão cheio não afundava
O saco rasga e pinga por debaixo
Deixará uma marca até chegar à lixeira

O rastro mostra que por ali passou um lixo
Não se sabe o quê
nem de quem
É um dos problemas enfrentados
Pelos condôminos
Pelos fracassos
Pelos poetas

Embora saibamos:
Ali jaz uma ideia
Jazeu
já era

Entrevista

1. Em Viagens fantásticas, pesadelos cruéis, a experiência da epilepsia aparece como um eixo recorrente de vários poemas, muitas vezes associada à memória familiar e à percepção do tempo durante as crises. Em que momento essa experiência pessoal passou a se tornar matéria poética para você, e como se deu a transformação de episódios vividos em linguagem literária?

Um dia eu fui encontrar a minha companheira na estação-tubo do Passeio Público. Enquanto ela não chegava, eu fiquei pensando que precisava de um tema para escrever. E a epilepsia surgiu como um tema, não como um texto, não como uma ideia. Apenas o tema. Isso faz uns dez anos. Disso para o salto em matéria poética, foi mais um tempo. Durante a pandemia, em 2020, eu fazia parte de um grupo de pessoas que se reunia para escrever e nós criávamos desafios de escrita como exercício, e um deles foi escrever sobre tecnologia. Escrevi o poema “Porque quando”, que tem a parte que falo de “apps de saúde”, foi como consegui concretizar o desafio; e o primeiro texto em que senti o impacto daquilo que era experiência em texto.

2. O livro alterna registros bastante distintos: poemas ligados à experiência corporal, reflexões sobre estética e cultura, referências literárias e textos que se aproximam de cenas do cotidiano. Como você pensou a organização dessas diferentes dimensões dentro da estrutura do livro e a divisão em seções?

Hoje, olhando em perspectiva, vejo que não é um livro de uma forma coesa, com um diálogo interno próprio. É mais uma reunião de poemas que escrevi durante um período de tempo e que dialoga com diferentes partes de um eu. É a expressão do caos da realidade que somos enquanto sujeitos.

3. Seu livro anterior, Minha bricolagem, Osvaldinho, publicado em 2023, também reúne poemas, mas parte de um conjunto diferente de referências e procedimentos. Ao olhar para Viagens fantásticas, que diferenças ou continuidades você percebe entre os dois projetos?

Na verdade, escrevi Viagens antes de Bricolagem. Mas, por problemas de organização da Secretaria da Cultura, este livro saiu apenas no ano passado e com registro de 2024 (Viagens fantásticas, pesadelos cruéis foi financiado pela Lei Aldir Blanc via Prêmio Outras Palavras de 2020). Ainda assim vejo que algumas coisas permanecem, como o olhar para a rua e a tradução em texto, algo próprio da crônica que levo para poesia. Tem também uma ironia que se confunde com uma raiva e vice-versa, e às vezes é só uma ou só outra. Agora, por outro lado, com Viagens eu não sabia como montar um livro. Com Bricolagens também não, mas já sabia o que não fazer e aí tentei pensar num livro que tivesse um fio-condutor, o êxito da proposta é outra história. Em Viagens juntei os poemas que gostava, que outras pessoas gostavam, acumulei um número.

4. Apesar da publicação do livro, não houve um lançamento público da obra. Essa foi uma escolha deliberada ou resultado das circunstâncias do processo editorial? Como você imagina a circulação do livro e o encontro com leitores nesse caso?

Sobre a circulação, é um processo complicado, porque não é papel de escritor fazer circulação de livro. O livro é antes de tudo uma mercadoria e assim se insere na dinâmica. Dessa maneira, há agentes responsáveis por isso, ou seja, a editora. Mas também compreendo que poucas são as editoras que se prezam a pensar na circulação da obra e esse trabalho acaba ficando a cargo do próprio autor. Por isso, a maioria das editoras hoje (tirando as grandes) age em duas frentes, ou sendo uma espécie de gráfica; ou focando em editais públicos. Quando este último é o caso, há uma série de obrigações que fazem o livro circular ou dão a falsa sensação de circulação, como a distribuição em bibliotecas públicas do estado e outras ações.

Agora tem uma outra coisa também, o tempo do livro é diferente, às vezes demora para ter o encontro com os leitores, pois mesmo quando há lançamento e as pessoas vão e compram seu livro, o que é um momento muito prazeroso, você só vai se encontrar com o leitor mesmo quando ele ler, e aí você pode ter a sorte de ele te falar o que pensou e o momento de troca ocorre. Mas para isso, precisa de um pouquinho mais de paciência.

5. Alguns aspectos editoriais da publicação (como divergências na data da ficha catalográfica e problemas de revisão ou diagramação) acabam interferindo na circulação e na leitura do livro. Como você recebeu a edição final da obra?

Considero o projeto gráfico interessante. Acho que a Biblioteca Pública acertou em fazer um projeto único. Mas como houve um edital complementar para contratar as editoras para executar a edição, ficou a cargo delas o cuidado com revisão e diagramação. E, diferentemente do meu outro livro, eu não recebi nenhum comentário da revisão, e me surpreendi com uma porção de erros tanto de revisão quanto de diagramação, erros que foram, inclusive, adicionados. Meu nome está escrito errado na ficha catalográfica!!! O título tem duas versões: na capa há vírgula, na folha de rosto, não. Além de vários erros de quebra. Tudo sintoma de um trabalho feito sem a atenção necessária.

Não conversei com outros autores, mas no meu caso fiquei muito desgostoso com a editora e com a Secretaria de Cultura, que deu o aval.

Serviço

Viagens fantásticas, pesadelos cruéis | Dédallo Neves

A.R. Publisher Editora

Disponível gratuitamente em livro digital:

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Oito autores e nove livros na primeira

admin-querela — Mon, 23 Feb 2026 18:43:42 +0000

Luiz Alceu Beltrão
Rio plano: poesia reunida

Luiz Alceu Beltrão. Rio plano: poesia reunida. Curitiba: LABEMOL, 2025. Poesia. 204 pág. Edição e revisão de texto: Adriana Sydor. Projeto gráfico: Guinski Art Design. Ilustrações: Luiz Antonio Guinski. Fotografias das ilustrações: Marcelo Almeida. Textos das orelhas: Paulo Vitola e Roberto Muggiati.

Beltrão reúne sua poesia escrita desde 1973 “eletrificado pelos trancos da geração ‘paz e amor’, caí[do] nas confrarias dos botequins, nas infindáveis discussões sobre literatura, música e liberdade política, mas sobretudo na instigante solidão da leitura”, conforme diz no prefácio. Sua poética transparece que está menos para o beletrismo e mais para o belitrismo: “Bebo faz tempo. / Quando comecei, o ‘Velho Barreiro’ ainda era menino”, reconhecível também no espírito trocadilhesco de botequim, de que Leminski foi rei: “Kama-Sutra” – “Nas noites mais quentes a nossa cama surta.”

Samantha Abreu
Os movimentos da cabeça

Samantha Abreu. Os movimentos da cabeça. Londrina: Atrito Arte, 2024. Poesia. 90 págs. Ilustração: Carolina Panchoni. Revisão e prefácio: Renato Forin Jr. Capa, projeto gráfico e editoração: Marco Tavares.

Reunião de poemas e crônicas poéticas sob um viés feminista e existencial, em alguns pontos estabelecendo diálogo com escritoras como Virginia Woolf, Adélia Prado e Mar Becker.

Antologia:

Pequeno Confessionário Admiratório

“Depende de tantas palavras o amor de um homem por uma mulher,
mas uma mulher ama a outra em silêncio.”
Mar Becker

Eu escrevo sobre mulheres para imaginá-las
majestosas e donas de seus corpos caminhando em direção a um pôr do sol, sumindo no horizonte dos sonhos.

Acho gentil a poética de seus ventres quando as trompas se transformam em galhos cheios de flores. Existe tanta beleza na anatomia das ancas arredondadas, uma arquitetura sutil dos desníveis.

Admiro a deformação de seus rostos quando se emocionam; me encanta a euforia de suas vozes e o silêncio de suas dores. São seres que não passam incólumes pela cerca viva e espinhosa da grade das próprias costelas.

São jeitos de quem aprendeu sobre os contornos das existências, quem enfrentou os desvios necessários das lâminas, quem sobreviveu aos abismos diários das pequenas mortes.

Eu escrevo sobre mulheres para descobrir os segredos do mundo.

—

Pequeno manual para ser espectro

Eu assisto ao meu espectro que se levanta
e vive,
que se levanta e vive,
como se ensinasse outros a serem espectros.
Eu escrevo um manual:

Sentar-se na frente do espelho e rasgar os poros com as longas unhas,
espalhar o sangue
que escorre.
Erguer as têmporas em direção ao sol,
então fechar os olhos no silêncio honroso da graça,
o milagre
do corpo que se integra: de si mesma
em si mesma
pois em si mesma uma
reciclagem:
autofagia da carne sendo engolida pelas cavidades de onde levantam os pelos.
Sentir calafrio, suor e,
finalmente,
desistir de resistir ao gozo.

Quando caminhar pela rua, não abaixar um pé ao
levantar o outro, fazer da levitação
o desfile
de um corpo translúcido.
Tirar os sapatos e esfregar entre os dedos uma poeira de luz, espalhar
o pólen dos poros, ser doador universal
de micro-organismos.
Andar como quem passeia por um bairro desertado,
ouvir
o ranger de janelas,
esperar o café das dezesseis horas em uma varanda qualquer.

Então sentar-se e sentir a matéria fixa das certezas inatingíveis.

III

Quando empalideço é como se todas as coisas que me encontrassem
de frente,
me atravessassem feito fachos de luz, clarões

é como se eu
fosse uma cortina de finas tiras transparentes
e qualquer rosto me encostasse
sentisse cócegas.

[veja como coça o nariz desse outro que me esbarra,
mas segue adiante
sem ser impedido pelos filetes de brilho]

Paulo Sandrini
Santa Bula de Todos os Remédios ou diário de um suicida

Paulo Sandrini. Santa Bula de Todos os Remédios ou diário de um suicida. Curitiba: Máquina de Escrever, 2025. 96 págs.

Dedicado à memória de Manoel Carlos Karam, sua forma de escrita que mesclava senso de humor irônico, absurdo e surrealismo inspiram a escrita desse romance. Nele, Sandrini usa o artifício do gênero diário para desmontá-lo com a suspensão temporal abalada pelo vício contumaz de consumo de psicotrópicos pelo personagem narrador, ao mesmo tempo em que tripudia outro cacoete do contemporâneo, a “autoficção”, compondo um “diário de autoficção dos outros”. Romance escrito em forma de diário por um personagem narrador que é um escritor usuário compulsivo de medicamentos para transtornos, o personagem acaba enterrado e ainda falante no Cemitério Comala, remetendo ao cenário do clássico romance mexicano Pedro Páramo, de Juan Rulfo, agora em seu último purgatório literário: dentro de um túmulo em que chove torrencialmente e espremido por uma bananeira com a constatação surreal: “‘Será que essa chuva vai passar logo?’, perguntei. ‘Pelo jeito vai levar uma eternidade’, ela respondeu rindo” – ela, no caso, é a personagem Marta Tarma, “famosa escritora de bilhetes com mensagens de despedida para suicidas”. O livro termina, o tempo passou, mas a chuva existencial continua com a sensação compulsiva da goteira na cara… E nos deixa com a ressonância do nome da personagem Marta Tarma que é a protagonista vitimada pelas goteiras num túmulo, ecoando a semelhança com o nome da crítica e escritora argentina, que foi casada com o escritor Angel Rama, Marta Traba, morta num acidente aéreo junto com o marido e mais o escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia, o escritor peruano Manuel Scorza e a pianista catalã Rosa Sabater no Voo 11 de Avianca, num Boeing 747, em 27 de novembro de 1983, quando iam à Colômbia para assistir ao «Primeiro Encontro da Cultura Hispanoamericana», convidados pelo presidente Belisario Betancur.

Luiz Rebinski
Um pouco mais ao Sul

Luiz Rebinski. Um pouco mais ao Sul. Curitiba: Edições, 2016. Capa: Pedro Franz. Projeto gráfico: Alexandre de Mari. 216 pág.

Tendo por cenário um submundo curitibano pós-apocalíptico situado nos esgotos do Rio Ivo em que sobrevivem transviados de toda espécie, esse romance soa como um subproduto da indústria cultural de massa, relacionando-se, nisso, a séries, filmes, livros etc., e explorando a temática zumbi/terror e de violência em que sexo e drogas se misturam com naturalidade. Outra característica interessante é a de explorar aspectos da colonização polonesa no Paraná (“a polacada, gente ensebada”…) a partir de dois personagens poloneses que se relacionam com os dois personagens curitibanos que protagonizam o romance.

“Diante da recusa histérica do Noia em ceder aos caprichos da anfitriã, Vlad automaticamente virou alvo da mulher-homem. Ela, que era ele, disparou uma saraivada de beijos para cima de Vlad, que tentava se desvencilhar como podia das investidas.”

“Veja, minha senhora, eu e meu irmão realmente apreciamos muito este ambiente receptivo. E só posso imaginar que grande parte do sucesso alcançado nesta noite se deve à sua figura. Do bolinho alucinógeno, até os drinks aqui servidos, tudo, eu disse absolutamente tudo, estava divino.”

“Então, gostoso, vou te mostrar algo ainda mais divino. Vamos terminar a noite com chave de ouro, vamos lá para o meu bangalô, vou te mostrar que sou uma mulher de muitos atributos. Você vai se surpreender. Já saquei que você faz aquele tipo de intelectual de meia tigela. Pois bem, amoreco, tenho repertório para homens como você. Vou te mostrar os meus morangos silvestres, vamos fazer desta noite um verdadeiro apocalipse now. Vamos?”

Ricardo Corona
espero pelo fim desde o início

Ricardo Corona. espero pelo fim desde o início. Rio de Janeiro: Mórula, 2025. Coleção Diabo na Aula. Org. da coleção: Carlos Augusto Lima e Manoel Ricardo de Lima. Projeto gráfico: Patrícia Oliveira. 88 págs.

O livro reúne um conjunto de poemas de formas e temas variados, destacando-se os sonetos iniciais (“serial” e “fáustico I, II e III”) em que se experimenta uma retórica poética, e os que exploram um tom apocalíptico (como “o mundo está cheio”: “tem mais poemas/ do que pessoas/ no mundo”) e, nessa mesma ótica, os que dão título ao livro, de cujo poema “e a manhã tropical se inicia”, transcrito a seguir, é exemplar dessa poética crítica.

e a manhã tropical
se inicia

Torquato,
vivo com prazer
cada minuto do fim
é um privilégio
findar a vida
no final do fim
do mundo
que se iniciou
antes de mim
é um privilégio
saber que o planeta
seguirá sem nós
vivo, vivinho no ócio
com uma vasta
e exuberante
cabeleira verde

Ricardo Schmitt Carvalho
Geração zonza

Ricardo Schmitt Carvalho.
Lascas (1992-2002). Curitiba: Medusa, 2002. 88 págs. Posfácio: Marcelo Sandmann. Orelha: Luiz Roberto Guedes. Coleção Ruptura Réptil, dirigida por Ricardo Corona. Capa e projeto gráfico: Eliana Borges. Revisão: Angelo R. L. Zorek. Impressão: Gráfica Palotti.

Geração zonza – 50+ poemas sobre homens 50+. Curitiba: ed. do autor. 2025.100 pág. Posfácio: Luciana Martins. Orelha: Mário Henrique Domingues. Ilustrações: Cesar Marchesin e Karine Kawamura. Capa e projeto gráfico: Karine Kawamura – Lumen Design. Revisão: Jairo Rodrigues e Luciana Martins. Impressão: Gráfica Mult Graphic. Fomento: Lei Paulo Gustavo / Fundação Cultural de Curitiba.

Vinte e três anos após seu primeiro livro lascas, Ricardo Schmitt Carvalho publica o segundo: Geração zonza, quem sabe, com isso, mudando a pecha de desistente para poeta bissexto, dado o hiato expressivo entre os livros. Comparados, mantém-se no novo um senso de humor que já era cortante no primeiro, agora um tanto amenizado pelo fato de que os poemas atuais estão muito mais palavrosos, por isso perdendo o impacto antes constatado. Em lascas eram notáveis os poemas econômicos na linguagem: “anticristo // Olhai os delírios do campo/ de refugiados.”; “influenza // poeta douto/ fechou o soneto / com chave de outro”; “jóquei cru// hoje fui ao prado e vi/ montado em si/ cabeça de vantagem/ um poeta dar coices”.
Geração zonza, diferentemente daquele, tem um pendor, como assinalado, mais narrativo, que o aproxima de ser uma crônica temporal, interessada no registro da idade do poeta e sua geração, 50+, ou de seus pais, sendo logicamente irônico quanto a isso, como na série “Viver para sempre”, porém sem tanto investimento numa economia poética daquele lascas. Há mesmo um senso de humor blasé, algo entediado, com essa temporalidade redundante, repetitiva, cujo poema a seguir bem ilustra com a constatação anticlimática de um Sísifo “sem paciência de negociação”, “vai rolar tudo igual”.

dias difusos

o céu é cinza e respiramos
a atmosfera das nuvens

mas eros e tânatos pesados
dificultam qualquer movimento

vontade de morrer ou prazer
sem paciência de negociação

semideus bastante burro
aprisionado num corpo mortal

morro acima a pedra empurro
e vai rolar tudo igual

João Lucas Dusi
Madame Psicose

João Lucas Dusi. Madame Psicose. Curitiba: Madame Psicose, 2025. Capa: Leo Marino. Design editorial: Carlos Garcia Fernandes. Leitura crítica: Rafael DeGuima.

Romance narrado na primeira pessoa por um personagem escritor na faixa de 30 anos que se acha gênio injustiçado e expele lamentações, loas sobre consumo de drogas, bebidas, cigarro, filmes vistos e literatura admirada de autores como Reinaldo Moraes, Marcelo Mirisola, André SantAnna, Sérgio SantAnna, David Foster Wallace etc., sendo primorosa sua autodefinição: “Porque se tem algo que aprendi, ao longo desta vida do caralho, é que sou tipo o Rain Man sem a parte do Savant, isto é: um puta retardado incurável.”

Felipe Teodoro
A dança do jaguar dourado

Felipe Teodoro. A dança do jaguar dourado. Ponta Grossa: Lambrequim, 2022.
Rasgo. Ponta Grossa: Olaria Cartonera, 2022.

Todos os poetas têm o mesmo cheiro

Nos poemas de A dança do jaguar dourado predomina um tom existencialista que logo se constata até mesmo no título sugestivo, ao aparecer explicitado num poema, quase ao final, como sendo o jaguar a morte. Nessa toada, o primeiro poema tem por título a menção a um mural da morte, assim como o último é “epitáfio”, se poderia dizer que, nessas similitudes de lápides, com o jaguar os sombreia.

Talvez, não por acaso, uma das palavras mais recorrentes no livro seja “Deus”, presente em numerosos poemas, ainda que a descrição desse ente mais poético que religioso seja diminuída em relação à sua versão bíblica porque representado de forma antinômica como nos versos “a vida/ é um bate-cabeça/ ao som metálico de um Deus louco”. Nesse deserto que é a vida sob o domínio desse Deus falível, rebaixado, sujeito à escatologia, dada sua impotência, “com a boca sangrando”, é de se crer que estão todos mortos: “mas todos nós mortos/ temos o mesmo cheiro”.

Há algo de apocalíptico, de estresse existencial, nessa poética, com esse tom metafísico, certamente porque está remarcada pelo período pandêmico em que os humanos se transformaram em coveiros: “todo mundo coveiro mães pais filhos irmãos órfãos” e, logicamente, menores ainda que aquelas versões animalizadas do Deus que vão circulando pelos poemas: “ainda somos pequenos demais/ menores que formigas/ menores que grãos de areia”. Esse aspecto já estava anunciado num livro anterior, Rasgo, composto com poemas dessa mesma característica existencialista distópica, em que a questão da morte é enfatizada e o “Apocalipse”, título de um dos poemas, assinalado: “é preciso estar preparado /… para a queda dos santos/ … pra escolher a nova direção/ da vida que o fim ressuscitou”.

E, quanto ao poeta, ele, “como o religioso acredita em Deus todo poderoso”, “acredita na poesia/ como a criança acredita em Coelho de Páscoa/ Papai Noel & Bicho Papão”. Deveria ser engraçado, porém o tom solene desse eu poético não dá brecha; patético, pois reafirma: “o poeta acredita na poesia/ como o condenado à morte/ acredita que tudo acabou” – “o poeta acredita e isso basta”. A idealização platônica da poesia sugere: acredita como a criança, acredita em Coelho de Páscoa, Papai Noel e Bicho Papão, acredita na poesia, esse tom anunciado do apocalipse, como um condenado à morte, mais uma em meio às centenas de milhares de mortos, porém morte ungida pela poesia, se é que isso a faça melhor, se é que isso faça salvar o poeta.

O poeta menciona a mãe que, em certo poema, diz: ‘ser homem, meu filho / no fundo não é nada, nada demais’. Embora ela se refira à persona masculina, essa referência torna-se secundária diante do senso metafísico que percorre o livro. Constata-se, assim, que ser poeta, tal como ser homem, não é ‘nada demais’, ainda que se cultive uma crença idealizada na poesia. Afinal, ‘a música segue tocando / acho que a vida é o disco / favorito de Deus’, e todos guardam o mesmo cheiro: o de mortos, diga-se por epitáfio.

Sobre Ademir Demarchi

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Cata-osso: poema em trânsito

admin-querela — Mon, 09 Feb 2026 19:10:34 +0000

Caibar Pereira Magalhães Junior – contista, poeta e também biógrafo, ver matéria de Adriana Sydor sobre o recente lançamento de ‘Carlinhos Neves’ sobre 45 anos da história desse treinador de futebol – diz para os leitores da revista Querela os versos do seu Minicordel do cata-osso, que integra os poemas de Quando o povo canta.

O próprio Caibar explica: “Cata-osso é um poema inspirado na linha de ônibus que fazia (faz) o percurso entre Jacupiranga e Cajati, duas cidades do Vale do Ribeira, SP.

O cata-osso (metáfora usada pelo povo para designar esse ônibus), na época, era um veículo com motor dianteiro, com um bico. O motorista, para abrir a porta, usava uma alavanca. Havia um cobrador que ia picotando o bilhete das pessoas durante a viagem, dependendo de onde a pessoa iria parar. Os pontos eram à beira da estrada, na época, a BR 116. Este ônibus demorava bastante para chegar, por isso as pessoas tinham que ter muita paciência para esperar a sua chegada. Era comum que essas viagens lotassem.”

Caibar Magalhães

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Minicordel do cata-osso

Ninguém conhece, seu moço,

uma história verdadeira,

se não pegou o Cata-Osso

lá no Vale do Ribeira.

Vem vagarinho na estrada

pegando um aqui, outro lá,

chacoalhando o camarada

que é pra ele se acordar.

O Cata-Osso, lhe digo,

não tem ponto, não tem hora,

mas pode esperar, amigo,

que um dia você vai embora.

Cada parada que faz

é uma história que arranca.

Cabe sempre um pouco mais

nessa porta de alavanca.

Pra entrar ninguém não paga,

mas é bom não se iludir,

que o Cata-Osso é uma saga:

só se paga pra sair.

O cobrador vai passando,

vindo de trás pra frente,

como o tempo picotando

o bilhete dessa gente.

O Cata-Osso não escolhe

pela roupa ou distinção

o cidadão que recolhe

na beira desse rincão.

Colhe amor, recolhe dor

– porque esta é sempre mais densa –

Cata-Osso não vê cor

Pra ele, não faz diferença.

O osso que vai catando

pelo esqueleto da estrada

é a história que vai contando

seu ponto em cada parada.

Mulher, moça, estradeiro,

roceiro, trabalhador,

frentista, canavieiro,

todos contam sua dor.

Vão ficando camaradas

de tanta história trocar,

esperando ali na estrada

o Cata-Osso chegar.

Às vezes, de longe, na pista,

o Cata-Osso é uma imagem

e até quem tem boa vista

não percebe que é miragem.

Só quem vive aqui na margem

aprende a esperar, seu moço,

e um dia seguir viagem

a bordo do Cata-Osso.

MAGALHÃES JR. Caibar Pereira. Quando o povo canta. Curitiba: Edição do Autor, 2025, p. 97-99.

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Rio Apa por Cristovão Tezza

admin-querela — Tue, 27 Jan 2026 18:37:55 +0000

Entre a utopia e a memória

Por Adriana Sydor

Todo escritor carrega consigo uma ou duas figuras decisivas; personagens reais que, em algum momento da juventude, encarnaram a promessa de que a vida poderia ser outra. Para Cristovão Tezza, uma dessas figuras foi W. Rio Apa: escritor, homem de teatro, líder comunitário, pregador de uma utopia rousseauniana que pretendia fundir arte e existência numa só experiência.

Durante quase uma década, entre o fim dos anos 1960 e meados dos 1970, Tezza viveu sob a órbita desse carisma, participando da comunidade e do projeto teatral reunidos em torno de Rio Apa no litoral do Paraná. A marca dessa experiência atravessaria sua formação humana e literária, primeiro como adesão, depois como matéria de transfiguração crítica, sobretudo no romance Ensaio da Paixão.

O perfil que se lê a seguir foi escrito em 1998 e publicado originalmente na Revista Letras da Universidade Federal do Paraná (nº 50, p. 59–71, jul./dez. 1998). Àquela altura, W. Rio Apa ainda estava vivo (morreria em 2016), mas o texto já funciona como uma leitura de conjunto de sua trajetória, detendo-se sobretudo no período mais criativo e formador de sua atuação.

Nele, Tezza reconstrói o percurso multifacetado de Rio Apa sem ocultar nem o fascínio nem as ambiguidades de um projeto que quis transformar a própria vida em obra. Mais de duas décadas depois, ao revisitar essa história no posfácio de Ensaio da Paixão, o escritor fecha o arco de modo ainda mais direto e pessoal: reconhece naquele “velho barbudo” ao mesmo tempo um mestre formador, um pai simbólico e uma ilusão necessária.

Relido hoje, o texto de 1998 é mais do que o retrato de um personagem singular da cena cultural brasileira: é também um capítulo decisivo da autobiografia intelectual de quem o escreveu. Republicá-lo agora é reencontrar, num tempo pouco generoso com utopias, as marcas de uma aposta radical, e os seus custos.

W. Rio Apa: as trilhas da Utopia

Revista Letras – UFPR – N. 50, P. 59-71 – JUL/DEZ 1998. ED. UFPR

Por Cristovão Tezza

Wilson Galvão do Rio Apa, ou simplesmente W. Rio Apa, como assina sua obra, é uma das figuras mais originais da literatura paranaense. Nascido em 1925 em São Paulo, capital, passou a infância e adolescência no Paraná. Na juventude, dedicou-se ao jornalismo e à literatura, formando-se em Direito em 1949 na UFPR. Em seguida, embarcou como marinheiro, viajando pelo mundo durante dois anos. De volta ao Brasil, fixou-se no litoral paranaense, onde, ao lado de uma vida de ilhéu e velejador aventureiro, exerceu intensa atividade jornalística.

Esta primeira fase de sua vida já determina qual seria o perfil do escritor. Ao longo dos anos 50, publicou artigos semanais nos jornais O Estado do Paraná e Última Hora (de São Paulo), em que relatava experiências pessoais de sua vida exótica de marinheiro e ilhéu, entremeadas de reflexões filosóficas. Uma série deles (1951-52) tinha o título de “Tentativa de uma grande síntese”, o que já nos dá uma medida de seu projeto; outra série (1954), “Experiências com a solidão”, narrava os trinta dias que passou sozinho numa ilhota do litoral. Mais tarde (1957-58) escreveria semanalmente no jornal A Tribuna, de Santos, relatos de suas viagens num pequeno barco, junto com a família. Esse contato com o mar e com a vida da pesca que marca a biografia de Rio Apa se tornará um dos elementos centrais de sua literatura.

Desde então, a marca registrada da visão de mundo de W. Rio Apa será entender a atividade artística como parte integrante e inseparável da própria vida; metaforicamente, podemos dizer que seu sonho, desde então, foi fazer da própria existência uma obra de arte. Também desse período – que mereceria uma abordagem mais aprofundada e que aqui apenas resumimos em linhas gerais – podemos extrair alguns pressupostos filosóficos que vão aparecer ao longo de todo o seu trabalho. Um deles, o mais forte talvez, é a idéia rousseauniana do “bom selvagem”, que W. Rio Apa desenvolverá de um modo evidentemente não ortodoxo, conciliando-a com um misticismo de traços orientais. Em suma, a natureza tem uma “alma”, e todo o seu projeto de escritor será também um projeto ético que nos dê a chave para viver em equilíbrio com ela. Se lembramos que este projeto já se articulava nele, plenamente, nos anos 50, Rio Apa se revela um precursor dos discursos que serão dominantes nas décadas seguintes, dos hippies aos ecológicos.

Também desta primeira fase se afirma outro traço sistemático de seu trabalho: a literatura vai se transformar em bandeira de outras causas que não a de um estrito projeto estético. Freqüentemente, o traço efêmero desse trabalho é objetivamente assumido. Nessa perspectiva, compreende-se o caráter na aparência “errático” de sua obra, que do ponto de vista formal foi se construindo aos saltos e desvios, e não por meio de uma lenta elaboração esteticamente unitária. Também daí pode-se compreender a alternância entre a atividade literária e a teatral. Aliás, o teatro vai aparecer na sua vida não como uma forma propriamente literária, mas como algo que realiza a negação da literatura. Seu teatro – que começa a aparecer no final dos anos 60, fiel ao espírito do período – desce dos palcos, vai às ruas e às praças, livra-se do texto fixo e valoriza o improviso; em alguns experimentos, chega a recusar a palavra.

Assim, antes de considerarmos a literatura, vejamos de passagem o teatro de W. Rio Apa, que acompanhei pessoalmente de 1967 a 1984, participando de sua comunidade de teatro em Antonina, litoral do Paraná, e mais tarde em Florianópolis. De sua ampla produção teatral, cujos textos (ou roteiros, no caso de sua última fase) permanecem inéditos, marcamos aqui alguns momentos. O primeiro deles é ainda estritamente literário; trata-se de O pequeno solitário (1968), uma adaptação do conto homônimo incluído na coletânea No mar das vítimas. Nessa peça, todos os elementos convencionais da carpintaria teatral são respeitados, tais como o uso tradicional dos limites do palco, texto fixo, marcações rígidas, preocupação com o acabamento formal, etc. A montagem dessa peça, nos idos conturbados de 68, teve a marca do tempo: o texto foi primeiramente levado em Antonina, no auditório de um sindicato, com grande sucesso. Em seguida, contando com a voz gravada de Paulo Autran (fazendo um personagem que não aparecia em cena), a peça foi montada no Teatro Guaíra, onde se apresentou apenas dois dias. No terceiro, o palco foi fechado com andaimes por ordem do então governador Paulo Pimentel, para impedir a montagem de Navalha na carne, de Plínio Marcos, que seria apresentada a seguir, interrompendo abruptamente a montagem de Rio Apa. Com protestos e uma passeata de que participou uma fatia da classe teatral da cidade, O pequeno solitário foi transferido improvisadamente para um espaço do Diretório Central dos Estudantes, e mais tarde para o então Teatro de Bolso, na praça Rui Barbosa. (Anos mais tarde, a peça seria remontada por Antônio Carlos Kraide e transformada num especial da TV Cultura de São Paulo.)

No ano seguinte, acontece uma ruptura radical: com o Monólogo da violência e o Monólogo da dor e da culpa, Rio Apa descarta não só o texto fixo, mas a própria palavra, propondo um teatro de catarse em contrapartida a uma arte que, limitada racionalmente a um texto escrito, lhe parecia então morta e sem perspectivas. Mais uma vez, estamos diante de um trabalho que se recusa a ser apenas um objeto estético; na verdade, a proposta de Rio Apa supõe uma atitude diante da vida, uma revolução pessoal. O seu teatro sem palavras deveria representar o mergulho do ator em sua realidade subterrânea, digamos assim, para “purificá-lo”, retomando o clássico sentido aristotélico sobre a função catártica da tragédia. Abandonando os palcos convencionais, apresenta suas peças em bares e locais públicos de Curitiba e São Paulo – a proposta assumida por ele terá pontos de contato com a teoria do polonês Jerzy Grotowski e seu espetáculo ritual fundado em arquétipos e centrado no ator, que só mais tarde chegaria ao Brasil. O próprio grupo teatral que começa a se consolidar em torno da figura carismática de Rio Apa, numa atividade fervilhante de que tenho viva (e ótima) memória, e que se tornará o Centro Capela de Artes Populares, em Antonina, era na verdade uma comunidade vivendo um projeto existencial do qual o teatro significava apenas uma das faces.

Na fase imediatamente seguinte, Rio Apa recupera parcialmente o texto, propondo agora um teatro poético de temática popular, mas sempre centralizado na catarse e na liberação emocional. Para ele, esta seria a essência do teatro que cumpria fazer renascer. O teatro deveria ser uma espécie de rito existencial, e a comunidade de atores a realização concreta de uma vida alternativa. Nos anos seguintes, o grupo montou O julgamento do homem(1970), O esperado (1971-1972), Os médiuns (1972) – esta proibida pela censura e liberada a duras penas, somente para festivais, por interferência direta de Paschoal Carlos Magno -, As fúrias (1972), uma recriação de Oréstia, de Ésquilo, e O templo das sete confissões (1973), peças apresentadas em vários festivais de teatro (Arcozelo, Londrina, São José do Rio Preto, Goiânia, Caruaru). Em 1975, com a Paixão de Cristo segundo todos os homens, Rio Apa chega a uma forma de espetáculo total, de fundamento popular, que representa o ponto alto de seu projeto dramático. Desde então, representou anualmente durante a Semana Santa – primeiro em Alexandra, Paraná, e a partir de 1977 nas dunas da Lagoa da Conceição, em Florianópolis – uma Paixão de Cristo por princípio descompromissada de proselitismo religioso, num espetáculo ao ar livre de dois dias que envolve cerca de uma centena de atores e é aberto à participação da platéia. Com o objetivo de eliminar (ou pelo menos suavizar) a fronteira entre a assistência e os atores, o espetáculo aceita desde cenas fixas com diálogos elaborados (mas com ampla margem de improviso e criação própria), até a liberdade de cenas paralelas em meio ao povo, refeições comunitárias, discussões, debates, movimentos de massa, etc. A cada ano, a figura de Cristo ganhava uma face diferente: o revolucionário, o santo popular, o quixote, o poeta, e até mesmo, surpreendentemente, o ateu – Cristo recusando-se a ser Deus em meio a um povo que exige dele esse papel.

Naturalmente, essas montagens eram muito mais do que simplesmente “peças de teatro”. O primeiro dado é que quase ninguém da platéia assistia a todo o espetáculo, mas só a partes dele; o público de quinta-feira à noite, por exemplo, que acompanhava as cenas dos profetas do Velho Testamento, nem sempre era o mesmo de sexta-feira pela manhã, com a chegada de João Batista anunciando o Messias. A platéia atingia seu máximo nas cenas da crucificação, no final da tarde de sexta-feira. Outro aspecto a lembrar é o fato de que, à parte dois ou três atores profissionais convidados, todo o resto do elenco era composto de amadores ou mesmo pessoas comuns subitamente envolvidas num projeto de teatro, de acordo com a idéia central de Rio Apa de unir a arte e a vida. É claro que o resultado cênico em muitos momentos não poderia ser julgado com a fria régua do teatro profissional; a Paixão não era exatamente uma peça, mas um acontecimento, ou um happening, para usar uma expressão dos anos 70. Finalmente, a intenção de questionar a figura clássica e acadêmica de Cristo acabava esbarrando na fé popular de parte substancial da platéia; por mais diferente que fosse o sermão da montanha apresentado em cena, o público acabava por ver nele nada mais do que a repetição bíblica, a merecer devoção e não postura crítica. De fato, não era mesmo intenção do teatro do Rio Apa, desde o início, provocar uma reação racionalizada na platéia; a sua intenção sempre foi a de criar envolvimento emocional, para ele o cerne do teatro. Daí a proximidade que o teatro de Rio Apa assume, declarada ou veladamente, com práticas terapêuticas, no sentido aristotélico da catarse: purgar as emoções e assim tornar o homem melhor.
O projeto teatral de Rio Apa tem formalmente muitos pontos de contato com a vanguarda daqueles conturbados anos 60 e 70, não só do Brasil como também da Europa, lembrando por exemplo a presença de Grotowski, do Living Theatre (de Julian Beck e Judith Malina) e a influência anterior, mais profunda, de Antonin Artaud (O teatro e o seu duplo). O abandono do palco italiano, a fragmentação do texto, o despojamento do ator, a idéia da arte como atitude, e não como objeto são alguns dos traços que aproximam Rio Apa da linguagem revolucionária daquele tempo. Porém, essa mesma forma transformadora, comum aos movimentos da época, em muitos pontos veiculava uma visão de mundo que pode ser considerada ideologicamente conservadora: a doutrina que se subentende nos “arquétipos” rioapeanos, o trabalho com categorias universais pressupostas (daí sua irresistível atração pela temática religiosa) e um certo toque messiânico são alguns exemplos. Talvez o ponto central esteja na descrença da razão como uma categoria positiva (ou suficiente) de reconhecimento do mundo – também esse aspecto, é verdade, fazia parte da linguagem de combate daqueles anos. Lamentavelmente, entretanto, Rio Apa nunca chegou a formalizar uma “teoria do teatro”, uma teoria que só nos resta depreender das próprias realizações e de alguns artigos avulsos que ele escreveu à época. Outro aspecto que limitou o alcance de seu trabalho foi, a um tempo, estar fora do eixo Rio-São Paulo, praticamente exilado em Antonina, e trabalhar rigorosamente com recursos do próprio bolso e com um grupo de atores amadores. A comunidade de teatro de Antonina era, afinal, extensão da sua própria casa.

A literatura de W. Rio Apa seguiu uma linha semelhante, no que diz respeito à não obediência a um padrão convencional, embora nela o rompimento tenha sido muito mais demorado. Seu primeiro texto, cujos originais se perderam, data de seu tempo de estudante: a novela radiofônica Caminho dos deuses. Somente em 1956, quase no fim do seu período jornalístico, aparece seu primeiro romance, Um menino contemplava o rio, início de uma trilogia (“Introdução ao Amanhã”) que nunca chegou a ser concluída; o segundo volume (O novo Deus), escrito em 1961, permaneceu inédito, e o terceiro ficou apenas no projeto, quando sua literatura tomava outra direção. Seu primeiro livro dá sinais de uma trilha estética da qual Rio Apa logo se afastaria.

Romance difícil e de construção sofisticada, entrelaça narrativas num espaço estranho: parte da história passa-se no litoral da Venezuela, e outra numa viagem de navio. A linguagem fragmenta-se em cortes que se destacam graficamente no espaço da página; em nota de rodapé, Rio Apa explica que tais recortes têm a intenção de ressaltar “a veracidade e intensidade expressiva da ação subjetiva das personagens” . Eis um exemplo escolhido ao acaso:

O primeiro toque grave, profundo e a sua ressonância surpreendeu o mestiço que começou a acompanhar o badalar:

a sucessão de sons… as vibrações, o balanço dos sinos: as mãos puxando as cordas.

As notas seguiam-se lentas, espaçadas, enchendo-lhe o corpo de vibrações que lhe arrepiavam a epiderme. Momentos depois a alegria mostrava-se no seu rosto.

Depois deste romance, a temática de W. Rio Apa volta-se para o mundo urbano, ou, mais propriamente, contra o mundo urbano, que se lhe afigura como um espaço incompatível com o desenvolvimento das potencialidades criativas do homem. Nesse sentido, sua literatura ganha nesse momento, nitidamente, um caráter de “tese” que jamais o abandonará – é interessante observar que o traço que será a marca registrada de Rio Apa será também o seu limite estético, que afinal (nos anos 90) transbordará para a escrita de textos diretamente místicos e filosóficos. Em 1965 escreveu A proporção correta (inédito), narrando o pânico de uma grande cidade que se vê invadida por animais venenosos, e, em seguida, A Revolução dos homens , romance que conta a história de um lavrador cujas terras são invadidas pela expansão da metrópole, e que, reduzido à miséria, dá origem a um movimento subversivo ecológico (para usar uma palavra de hoje). Visto a distância, A revolução dos homens se inscreve nas inquietações do final dos anos 60 e da instauração da ditadura militar no país. A resposta de Rio Apa, entretanto, tem um substrato romântico e anarquista; a revolução necessária seria não a revolução política de natureza pragmática, mas outra, de “essência”. Veja-se este trecho:

De pé, incontrolado, o poeta atingia o paroxismo de sua revolta. Os amigos, preocupados, sondavam a entrada do bar e os fregueses que esqueciam suas bebidas e ouviam. Queriam interrompê-lo, e não podiam: a mensagem empolgava-os.
– Torpe progresso! Seus sucessos jamais compensarão o estado a que levou o homem! A única salvação reside na consciência de cada um. Temos que continuar caçando, dentro de nós, todos os monstros, prraa! da psicodialética, da despersonalização, prraa! TV, imprensa, prraa! pedagogia utilitária, prraa, prraa!
Armindo agachou-se atrás do balcão e prosseguiu no tiroteio visando os produtos enlatados que se enfileiravam nas prateleiras.
– Ou nos tornamos caçadores em nossa própria mente, atirando sem parar com a arma da consciência ou também nós acabamos como os milhões de zumbis ideológicos russos; sorridentes robôs americanos que disparam bombas atômicas nos seus semelhantes. E são estes dois tipos trágicos que nos querem impingir como modelos ideais do homem moderno. Sejamos brasileiros, isto sim! Bem e profundamente brasileiros, resguardando a matéria-prima que ainda somos, principalmente através desta muito nossa quebra de corpo, esse divino sai pra lá! comigo não, o que é que há? que nos salva da idolatria a tiranos, dogmas, violência, disciplina em excesso e nos mantém na retaguarda do erro progressista. Sejamos assim reservas para a salvação humana, por quanto tempo seja possível e ainda venceremos os atuais deuses fardados com as nossas piadas, gozação como nunca, com a nossa música popular. Viva a África!
As palmas dos fregueses, os bravos de Jeremias, os assobios de Xixo: o poeta foi abraçado, levantado nos ombros.
Num canto, o camponês comovido fungou.
Sucederam-se brindes revolucionários.

Neste trecho curioso encontramos a síntese da crise deflagrada pelo golpe de 64. Era um tempo esquemático: zumbis ideológicos russos, robôs americanos: contra eles, a ginga brasileira. E o valor da “consciência”, uma categoria essencial na cosmovisão rioapeana, que parece decorrer não de um processo histórico, mas da própria natureza humana. O progresso “torpe” é o inimigo. A proposta de Rio Apa, oculta nos traços anarquistas, tem uma raiz claramente rousseauniana. Aliás, a revolução de que trata o livro é também uma revolução ecológica, que àquele tempo, na perspectiva do romance, seria o verdadeiro terror do sistema. Se hoje esse projeto parece irremediavelmente datado, para uma parte da minha geração – e eu me incluo inteiro aí – tinha um apelo irresistível.

Após esse interregno urbano, Rio Apa retorna à temática do mar com No mar das vítimas , um livro de contos. Esta obra de certa forma marca o seu impasse estético, ou o descompasso entre a sua visão de mundo e a sua linguagem. A temática aqui é rigorosamente a sua: narrando a vida de pescadores isolados do mundo urbano, Rio Apa pode desenvolver e aprofundar a sua visão de mundo mais cara; os pescadores serão a matéria-prima que comprovará sua tese. Entretanto, o descompasso surge pelo fato de que, embora ele domine a técnica romanesca moderna, o que ele provou desde as incursões experimentais de Um menino contemplava o rio, Rio Apa na verdade nunca se sentiu à vontade com a descentralização ideológica que tal prosa supõe. Mais do que na literatura, na verdade ele sempre esteve interessado na doutrina; para ele, a prosa de ficção é claramente um meio de veicular um discurso filosófico unitário, homogêneo e fechado. Assim, em No mar das vítimas, talvez o seu livro “convencional” mais bem-sucedido, encontramos, ao lado dos traços pitorescos de um clássico Brasil rural, pré-urbano, de substância romântica, um narrador atento que não perde o momento de chamar a atenção do leitor para os significados ideológicos daquele mundo. Veja-se, a propósito, o trecho seguinte, do conto “Fandango II”, em que o personagem Nato rema desesperadamente para salvar o filho da morte:

Chlan! Chlan!
– Se o coitadinho morre, juro que faço mais dez filhos!
Chlan!…
Exatamente! A fome e a tua violenta multiplicação. Estas são as tuas invencíveis armas ante a qual os poderosos tremem. O medo crescente aos bilhões de Natos esfaimados que não cessam de gerar filhos incontáveis; ninhadas e ninhadas a chorar e a morrer agora, a exigir ameaçadoramente amanhã a comida que eles não te ensinaram a produzir, e o pouco que primitivamente produzes, roubam-te pelo preço vil que te pagam. Mas não te desesperes, Nato. Tua grande e implacável Mãe já desencadeou a vingança através desse teu procriar desenfreado, inelutável que os apavora, espanta, porque não podem controlá-lo e só poderiam repartindo contigo as riquezas que acumulam. Isto farão somente à força; a força da tua fome e do teu número espantoso. Oh! eles sabem que dentro de poucos anos, serão os Natos que superlotarão a terra.
Chlan!

Neste conto, o discurso doutrinário reina absoluto, mas do ponto de vista da linguagem No mar das vítimas se insere em geral na melhor tradição do regionalismo brasileiro, no sotaque das expressões, na sintaxe típica, nos traços pitorescos narrados por alguém que não é do meio (o que se denuncia, entre outros sinais, pelo uso sofisticado do mais-que-perfeito) e na boa qualidade do texto. Veja-se:

Comia de tudo a maldita, porém, seu prato predileto era mesmo gente: perna balançando em borda de canoa – o Zeferino manco que conte; braço descuidado, mergulhando demais na hora de recolher o espinhel ou no instante de meter o bicheiro e embarcar a prejereba, como acontecera ao falecido Juvêncio; bêbado que caísse na água, como depois daquele fandango no Superaguy – ninguém mais viu o Calado, só ouviram o baque e, no reflexo da lua, o lombo da desgraça; moça… ah! pobre das moças: “Tem raiva é delas” dizia, sempre, a mais velhinha que passara na juventude o seu grande susto com a “lixeira”, numa tarde de noroestado, quando se banhava nas espumas do lago-mar.

Independentemente de qualquer outra consideração estética, este livro permanece como uma obra significativa que tem como geografia e pano de fundo o litoral do Paraná, um espaço que aparece sob um registro assumidamente realista.
E é justo nesse momento (1968) que Rio Apa abandona a literatura e passa se dedicar ao teatro, num processo de “desencanto”, já que só lhe restava, nas palavras dele, em entrevista a Torrieri Guimarães, “escrever para as elites decadentes, burguesia de leitores cada vez mais escassos” . Até 1977 publicou apenas o romance juvenil O menino e o presidente , uma narrativa assumidamente didática, de grande sucesso, que o próprio autor classifica como um acidente na sua carreira de escritor.

É com a tetralogia Os vivos e os mortos que Rio Apa retorna à literatura, produzindo a sua obra de maturidade e certamente a síntese mais feliz de sua escrita. Neste romanceiro, Rio Apa despoja-se completamente das marcas de linguagem que distanciavam o narrador de seus personagens (no caso do livro de contos) e procura realizar afinal uma arte de raízes para ele autenticamente populares. A tese continua viva: para Rio Apa, “só é grande a arte capaz de ser povo”, porque é sempre o povo que “salva e faz renascer a cultura-vida; ele, o povo que ainda está com o pé na terra, nas praias, que é raiz” . Claro que o conceito de povo não é um dado a priori, e simplificá-lo desta forma será uma operação filosoficamente arriscada. Mas estamos ainda no terreno da literatura, e para ela não interessa o ponto de partida; apenas o de chegada. Nesse sentido, como resultado, esta obra é uma guinada em outra direção: Os vivos e os mortos se destacam em muitos aspectos do conjunto dos trabalhos de W. Rio Apa. A linguagem aí faz toda a diferença: não é fácil descobrir o parentesco entre o narrador da tetralogia com o autor de qualquer dos seus outros livros. Podemos dizer que, tomando a língua como referência, Rio Apa “esqueceu” sua própria obra e começou tudo de novo.

Os vivos e os mortos contam a história de um povo, sua grandeza e decadência, num registro literário que incorpora elementos fantásticos e mágicos. Assim, embora haja alguns sinais de que seu espaço seja o do litoral do Paraná, a geografia da narrativa suprime qualquer outra referência espacial que não ela mesma; não caberá aí, portanto, o selo “regionalista” no sentido comum do termo, porque não se trata de um espaço que se contraponha a outro. Rio Apa debruça-se sobre um mundo que representa um espaço “único”. Nesse espaço – ou nesse universo – a narração trabalha uma série de histórias entrelaçadas, tendo como eixo dois ciclos: a vida do Santo Menino, contada nos dois primeiros volumes, e a vida do espia Eleé, nos dois últimos. Em torno dessas duas figuras míticas gravitam os personagens principais. Podemos definir a obra como uma narrativa épica, no sentido clássico do termo. Para tornar verossímil este mundo épico hoje, Rio Apa lança mão de um conjunto de recursos de linguagem que irão simular o universo épico com todas as suas necessárias relações ideológicas. Ao lado da geografia única, o tempo na obra representa uma “teogonia”, um começo e um fim absolutos; é o tempo inexorável que vem de um passado mítico para um futuro apocalíptico sem propriamente tocar o tempo presente; o passado, na melhor tradição épica, é a expressão da perfeição absoluta; a natureza – mais uma vez encontramos Rousseau – é sempre um valor positivo também absoluto.

Esta visão de mundo perfeitamente articulada se realiza – e aqui a grande originalidade do texto – por uma linguagem que em nenhum momento “abre a guarda” para qualquer traço contemporâneo, moderno ou problemático que pudesse invadir a obra com um ponto de vista ideologicamente conflitante . Daí a preponderância da ordem direta e da conjunção “e” (implícita ou explícita); o vocabulário de raiz historicamente popular (há pouquíssimas proparoxítonas no romanceiro – apenas 13 – , que como se sabe são palavras que entraram na língua pelas vias da elite letrada ao longo dos séculos XIV e XV); uma prosa poética que, pelo ritmo e pela própria disposição gráfica procura envolver o leitor (ou mais apropriadamente o ouvinte) no seu “canto de sereia”; e, o mais surpreendente como recurso retórico de conciliação, a ausência de conjunções adversativas ao longo dos quatro volumes. Para não dizer ausência total, encontram-se cinco expressões adversativas, como “só que”, expressões a rigor suavizadas.

Por meio desses recursos, a narrativa inteira ganha um estado absoluto de unidade de linguagem, entendida como um ponto de vista soberano sobre o mundo e articulado de um modo que impede a sua quebra, contestação ou fissura por qualquer outra voz. Como ilustração, veja-se o trecho seguinte sobre a “febre do Mal” que assolou a região:

A febre do Mal ficou um pouco mais fraca no povo coa mudança da Lua e do Vento trazendo pra terra o frio do Sul
Também a fraqueza da fome já era tanta que pouca gente saía pras maldades da noite foi então que as tintureiras subiram a costa procurando as tocas mais quentes do Norte e as tainhas seletas apareceram nas barras
Dando graça, os homens se juntaram nas redes, carregaram as canoas e foram pros pontos de espera nas praias de fora enquanto as mulheres se fazendo de santas pegaram as trilhas cos filhos no colo e puxando carrinhos cheios de trastes no caminho cortaram folhas de guareicana, amarraram a palha nas varas e cobriram de novo os ranchos da praia
começou aí a espera dura das tainhas do corço
de dia atrás das canoas varadas pegando a sombra do Vento de noite junto ás fogueiras esperando o grito do vigia que agüenta sozinho no ponto o frio lá fora q’nem Aristeu que anda pra cima e pra baixo na praia escutando a fala dos peixes
Na escuridão o Mal ainda rondeia

Encerrado o ciclo de Os vivos e os mortos, Rio Apa voltou-se para o ensaio, com o Manifesto do povo , em que procura fundamentar o seu conceito de cultura de povo, que ele contrapõe à “cultura urbana”. Aqui seu trabalho assume declaradamente um caráter doutrinário, mesmo quando sob forma literária. Publicou então dois outros livros sob a forma gráfica de jornal , em que o domínio do estético já não guarda senão pálidas fronteiras com o da filosofia, da biografia, do teatro e da prática existencial, fundindo todos os discursos num só. Sua mensagem central, nesta fase, compreende a idéia – inegavelmente fiel ao seu ponto de partida, no início dos anos 50 – de que a cultura urbana chega ao fim, e postula a utopia de uma vida renovada pelo retorno aos valores essenciais da natureza e pelo homem do povo que nela vive integrado. Atualmente, vivendo na Praia da Pinheira, no litoral de Santa Catarina, Rio Apa dedica-se ao ensaio de natureza filosófica . A epígrafe de seu penúltimo trabalho – “Não é o homem que é sábio. Mas sim a Vida” – já nos dá uma pista do caminho atual de sua metafísica. O que é uma outra história, a merecer outro estudo.

Enfim, qualquer que seja a avaliação que se faça do trajeto de W. Rio Apa, dos tempos de marinheiro aos últimos ensaios, o fato é que o conjunto de sua vida e de sua obra e o caráter multifacetado de sua arte jamais perderam de vista um nítido ponto de liga, que é a dimensão da Utopia. Para um final de século tão esterilizado de sonhos como esse que vivemos, as trilhas seguidas por ele permanecem vivas como um contraponto necessário que tem muito a nos dizer.

Perfil

Cristovão Tezza (Lages, SC, 1952)

Vive em Curitiba desde a infância, cidade que se tornaria um dos cenários centrais de sua obra. Nos anos finais da década de 1960 e ao longo dos anos 1970, participou da comunidade artística e do projeto teatral de W. Rio Apa, experiência decisiva para sua formação e que mais tarde seria transfigurada literariamente no romance Ensaio da Paixão. Formou-se em Letras, foi professor universitário por mais de duas décadas e concluiu doutorado em Literatura Brasileira pela USP, antes de dedicar-se integralmente à literatura.
Autor de mais de vinte livros de ficção, é um dos escritores brasileiros mais premiados e traduzidos de sua geração. Entre seus romances destacam-se Trapo, Juliano Pavollini, O fotógrafo, O professor, A tirania do amor e, sobretudo, O filho eterno (2007), vencedor dos principais prêmios literários do país e adaptado para o cinema e o teatro, além de amplamente traduzido. Publicou ainda crônicas, ensaios e livros de não ficção. Seu trabalho mais recente é Visita ao pai, romance de memória lançado pela Companhia das Letras.

Foto: Internet, s/c.

W. Rio Apa (Wilson Galvão do Rio Apa)

Nasceu em São Paulo, em 1925, mas construiu sua trajetória no Paraná, onde passou a infância e a juventude. Escritor e homem de teatro, foi o idealizador, nos anos 1970, de uma experiência singular de teatro popular e vida comunitária em Antonina, no litoral paranaense. Afastado dos grandes centros culturais, viveu por décadas na Praia da Pinheira, em Palhoça (SC), onde seguiu escrevendo e elaborando seu projeto existencial e artístico até sua morte, em 2016, em Florianópolis.

Foto: arquivo pessoal de Cristovão Tezza Antonina, 1972. Quem puxa o cabelo de Cristovão, na foto, é Kim, filho de Rio Apa.

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Notas de leituraPor Ademir Demarchi

Helena KolodyCaixinha de música | Viagem no espelho e vinte e um poemas inéditos | Poemas do amor impossível

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Cruzando raízes e marés, o novo livro de Roberto Nicolato

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“… poesia …lírica, atravessada por humor e ironia, que carreia para o texto muito da relação do ‘eu biográfico’ com outros sujeitos de seu cotidiano…e dos encontros e desencontros…”

“A que linhagem da poesia brasileira recente a produção de RSC se filia? É difícil dar resposta inequívoca … até pelo caráter centrífugo e entrópico da poesia contemporânea.”

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Cata-osso: poema em trânsito

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Por Ademir Demarchi

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